Random Bitz

Bestiario di Tecnologia Audio 6

2012-01-13T18:04:00.000+01:00

Primo concerto live per Alieni - 29 Agosto 2001

Al volgere del millennio, alcuni scienziati russi fissati con gli alieni erano convinti che la musica fosse universale e percepibile da ogni tipo di intelletto, idea peraltro ancora non confutata (per assenza di intelletti strutturalmente diversi da quelli del mondo animale terrestre). L'antica arte di Orfeo poteva forse permettere di effettuare una comunicazione efficace con abitanti di mondi lontanissimi dotati di qualche intelligenza? Siccome in fondo ci credevano, organizzarono la prima radio-trasmissione musicale interstellare della storia, incanalando il segnale di un Theremin prelevato dall'uscita di un mixer SSB direttamente nella banda radar dell'Evpatoria Planetary Radar (EPR) e puntando la trasmissione verso HD 197076, una stella simile al sole nella Costellazione del Delfino.Per l'occasione Lidia Kavina, Yana Aksenova e Anton Kerchenko (grandi virtuosi dello strumento) suonarono live la seguente scaletta:
- Una canzone russa il cui titolo è intraducibile.
- Beethoven. Il Finale della Nona, ovviamente.
- Un allegro dalle Stagioni di Vivaldi. Effetto segreteria telefonica.
- Sean-Sans. Swan.
- Rakhmaninov. Vocalize.
- Gershvin. Summertime.
- "Kalinka-Malinka" – folk russo di quelli che si odiano immediatamente.
Nonostante la parziale improponibilità del repertorio, pare che il pubblico non si sia lamentato. Ancora.
Per saperne di più.

Puntate precedenti del Bestiario:

1. Statua di Memnone a Tebe - 1500 aC
2. L'ascoltapiazza di Athanasius Kircher - 1650
3. L'Organo Umorale Hammerstein - 1982
4. Marianne di Henry-Louis Jaquet-Droz - 1773
5. L'IBM 704 canta Daisy Bell - 1961

Zibaldone 11

2012-01-04T13:56:00.000+01:00

Come da tradizione, qualche detrito random per dare il benvenuto al 2012.

1. Le consuete immagine più belle dello spazio. In apertura del post le Galassie Antennae.

2. Inventare nuovi insulti su Twitter è una pratica molto stimolante. Uno dei miei preferiti: "sei talmente brutta che tra poco ti mettono nel banner di wikipedia".

3. In dicembre è uscito il Lemur per iOS, quindi mi sono comprato un iPad. Le 5 migliori app musicali per iPad, secondo me.

4. Il profilo Soundcloud di quel genio di Fabio Giachino, già pianista del migliore gruppo jazz italiano, i Jazz Accident.

5. Il preludio della 998 suonato su chitarra a 13 corde. Evviva i bassi veri.

6. Problemi di spazio su 'disco' e la fine del mondo.

7. Baudline finalmente anche per Mac. Chi non lo scarica è pazzo.

8. Due idee fotografiche geniali, Cinemagraphs e Back to the future.

9. Il 2011 per me ha sancito il passaggio definitivo a emacs. Complicato inizialmente ma ne è valsa la pena.

10. Music Ngram Viewer, lo step successivo della musicomia e della computer-aided musicology. Incredibile.

Per concludere, i 5 post più letti di Random Bitz:

1. Musurgia Mirifica, composizione assistita nel 1600

2. 4083 chords, with python

3. Il Gallo e la Chitarra

4. Musica da sballo

5. Qualcosa di concreto

Buon anno!

Libri 2011 (3)

2012-01-03T13:01:00.000+01:00

L'immagine di un dio molto umanizzato e quasi fumettoso, alle prese con la non semplice attività di creare il mondo, proviene dall'ultimo spettacolare libro di questa mini-rassegna.

Atlante storico della musica nel Medioevo
Questo atlante, a cura di Vera Minazzi e pubblicato da Jaca Book, adotta un approccio decisamente innovativo alla storia della musica medievale, differenziandosi in modo sorprendente dall'altra dozzina di libri che ho letto sull'argomento negli ultimi 15 anni. Sono infatti presenti studi di acustica degli spazi deputati alle performance musicali (come cattedrali e monasteri), saggi sul 'paesaggio sonoro' medievale, analisi dei repertori del canto liturgico e di quello profano, descrizioni organologiche di moltissimi strumenti musicali dell'epoca. Il tutto a cura dei migliori studiosi mondiali della materia (anche qualche vecchia conoscenza 'cremonese', come Baroffio e Barassi). Bellissimo e affascinante l'apparato grafico e iconografico. Gli autori saranno stati ispirati da un fuoco a forma di polipo, come santa Ildegarda di Bingen?

Sinossi. Si può capire il Medioevo senza la musica? Davvero l'arte, l'architettura, la cultura, la filosofia, la poesia e la letteratura medievali sono comprensibili amputando da esse l'universo sonoro che le ha attraversate? La musica è la grande assente, in genere, dalle ricostruzioni storiografiche del Medioevo, sebbene essa sia profondamente radicata nelle matrici dell'Occidente. L'assenza della musica dalle abituali pubblicazioni storiche e di storia dell'arte medievale è peraltro ben comprensibile se si pensa alla rarità delle fonti e alla difficoltà di ricostruire realmente il "suono" medievale. Sul versante musicologico, gli specialisti si trovano di fronte al compito non facile di integrare il fenomeno sonoro con le altre espressioni artistiche e con la vita medievale in generale. Lo scopo di questo atlante è quello di proporre tale integrazione e di fornire al lettore, anche non musicologo, una immagine articolata, piana, godibile, e tuttavia scientificamente rigorosa, della musica nel contesto della vita medievale. Per realizzarla, sono stati coinvolti in un'ottica multidisciplinare molti dei più importanti musicologi, noti internazionalmente, insieme con archeologi, studiosi dell'acustica e dell'architettura, filosofi e storici del pensiero medievale. Quarantacinque autori per comporre un atlante storico complesso ma di facile lettura, anche perché ogni capitolo può essere consultato direttamente, senza aver letto i precedenti.

Libri 2011 (2)

2011-12-19T12:37:00.001+01:00

Il secondo libro, per gli appassionati di cinema e musica.

L'audiovisione. Suono e immagine nel cinema

Le migliori e più compiute teorie sui rapporti tra immagini in movimento e audio (musica, effetti ecc...), non solo nel cinema. Michel Chion usa sapientemente le conquiste della musica concreta per spiegare storie e tecniche di una relazione complicata. Magistrale l'analisi della prima sequenza di Persona di Ingmar Bergman.
Sinossi. "I film, la televisione e i media audiovisivi in generale non si rivolgono soltanto all'occhio. Essi suscitano nel loro spettatore - nel loro "audio-spettatore" - una specifica disposizione percettiva, disposizione che, nel presente lavoro, proponiamo di chiamare audiovisione. Un'attività, questa, che non è mai stata considerata nella sua novità: si continua a parlare di "vedere" un film o una trasmissione, trascurando la modificazione introdotta dalla colonna audio. Oppure ci si accontenta di uno schema aggiuntivo. Assistere a uno spettacolo audiovisivo consisterebbe insomma nel vedere delle immagini più sentire dei suoni, e ciascuna delle due percezioni resterebbe saggiamente circoscritta al proprio ambito. Scopo di questo libro è mostrare come in realtà, nella combinazione audiovisiva, una percezione influenzi l'altra e la trasformi: non si "vede" la stessa cosa quando si sente; non si "sente" la stessa cosa quando si vede. [...] La presente opera è al tempo stesso teorica e pratica, in quanto, descrivendo e formulando il rapporto audiovisivo come contratto (vale a dire come il contrario di un rapporto naturale che rimandi a un'armonia preesistente tra le percezioni), essa delinea un metodo di osservazione e di analisi suscettibile di essere applicato ai film, alle trasmissioni televisive, ai video." (Michel Chion).

Libri 2011 (1)

2011-12-16T11:27:00.001+01:00

Nei prossimi giorni passeranno in rassegna i libri più interessanti che ho letto quest'anno. Iniziamo con un capolavoro di teoria musicale per musicisti e matematici.

A Geometry of Music
Ogni 10 anni circa esce un libro destinato a diventare seminale per i successivi 50. E' questo il caso di "A Geometry of Music: Harmony and Counterpoint in the Extended Common Practice" (Oxford Studies in Music Theory) di Dmitri Tymoczko, un allievo del compianto Milton Babbitt. Stupendo anche il sito di supporto al libro, in cui è possibile ascoltare tutti i numerosi esempi musicali presenti nel testo, approfondire determinati argomenti, affrontare attività ulteriori di studio e di ricerca. Imperdibile. Disponibile anche in edizione per Kindle.
Sinossi. Che somiglianza c'è tra "Help!" dei Beatles e la "Danza degli adolescenti" di Stravinskij? In che modo "Just" dei Radiohead si può mettere in relazione con le improvvisazioni di Bill Evans? E come le opere di Chopin sfruttano la geometria non euclidea degli accordi musicali? In questo lavoro pionieristico, l'autore Dmitri Tymoczko descrive un nuovo modo di pensare la musica che sottolinea l'affinità tra i più diversi stili, dalla polifonia medievale al rock contemporaneo. Tymoczko identifica cinque caratteristiche base della musica che insieme contribuiscono al senso di tonalità, e mostra come queste caratteristiche si ripetano in tutta la storia della musica occidentale. Nel trattato si getta nuova luce su una vecchia domanda: che cosa rende una musica buona musica?"A Geometry of Music" fornisce un'introduzione accessibile al rivoluzionario approccio geometrico di Tymoczko alla teoria musicale. Il libro mostra come costruire semplici diagrammi per rappresentare le relazioni tra accordi e scale familiari, fornendo ai lettori gli strumenti per tradurre dal musicale al visivo e rivelando sorprendenti gradi di struttura in brani musicali altrimenti difficili da comprendere.Tymoczko utilizza questa base teorica per raccontare la storia della musica occidentale dal XI secolo ai giorni nostri. Sostenendo che le storie tradizionali pongano troppa attenzione sulla "pratica comune" del periodo 1680-1850, l'autore si propone invece di comprendere una pratica comune "estesa" che va dal tardo medioevo ad oggi. Si discute una serie di pezzi molto noti di una vasta gamma di compositori, da Bach ai Beatles, da Mozart a Miles Davis, e molti altri nel mezzo."A Geometry of Music" è accessibile a una vasta gamma di lettori, dai musicisti e musicologi agli scienziati e matematici con un interesse per la musica. La terminologia viene definita lungo la strada, non si presuppongono particolari conoscenze matematiche ma solo una certa familiarità con la teoria musicale occidentale. Il libro contiene anche esercizi finalizzati a rafforzare ed estendere la comprensione dei lettori, insieme ad una serie di appendici che esplorano i dettagli tecnici di questa teoria nuova ed emozionante.

Schubert il Progressivo

2011-12-02T16:11:00.033+01:00

Le scomparse premature dei Giganti, in musica, sono un classico di tutte le epoche. Quella di Schubert è stata la più tremenda per il linguaggio musicale e la storia della musica. Molto più di quella di Mozart, che se fosse sopravvissuto avrebbe dovuto combattere contro Ludvig Van, molto probabilmente perdendo.
Brahms il progressivo è un saggio del 1933 di Schönberg, in cui il contributo di Brahms all'evoluzione del linguaggio musicale viene paragonato 'paradossalmente' a quello di Wagner.
Ritengo che anche Franz Schubert stava dicendo la sua in proposito, nelle ultime opere.
L'Andantino in 3/8 della Sonata n.20 in La Maggiore D959, composta negli ultimi mesi di vita del compositore, è una di quelle pagine per pianoforte talmente incredibili che è difficile non tornare ad ascoltarle nel tempo. Come se ci fosse sempre qualcosa di nuovo da scoprire.
Il brano, in forma ABA, si apre con i tipici tratti di Schubert: il cosiddetto 'passo' schubertiano (l'incedere ritmico costante degli accompagnamenti) e soprattutto una struggente e al tempo stesso sublime melodia in Fa# Minore (relativo di La Maggiore).

Tutto nella norma (direi normale genialità) fino all'inizio della sezione B. Fantasia. Il linguaggio musicale classico-romantico si dissolve di colpo, la tonalità scompare e la composizione procede per accumulazione di materiale attraverso un cromatismo feroce e figure ritmiche ostinate.

La maggior parte dei critici mette in relazione questa sezione con l'imminente morte del compositore, come se l'inconscio di Schubert avesse per un'attimo preso il sopravvento mettendo in musica nientemeno che la Signora con la falce.
Ma c'è molto di più: un procedimento compositivo innovativo in grado di strappare la forma. Infatti l'episodio del B è talmente devastante che il ritorno di A passa quasi con indifferenza e il brano sembra finire subito, come se la forma fosse sproporzionata. In realtà è l'effetto (e l'affetto) del B, la sua eco strutturale, che cattura la memoria e la imprigiona fino al silenzio. La ripetizione non è più sufficiente a ricomporre il concetto stesso di forma, perché la differenza è troppo grande, eccezionale.
A ben vedere, e soprattutto a ben sentire, lo stesso compositore sembra consapevole di averla combinata, sembra approfittarsene e prenderci quasi in giro. Un giro di tipo bucolico, in Do# Maggiore (dominante di Fa# Minore).

E poi torna A, la melodia è trasfigurata, con pochi e dosati elementi motivici (terzina di semicrome) e armonici (un Si diesis dove proprio non dovrebbe essere) derivati dal B, la cui ombra ci accompagna fino al silenzio.

Come l'acqua di un lago dopo una forte tempesta, che rimane increspata da piccole perturbazioni per diverso tempo.

E infine un altro tratto classico di Schubert, una spettacolare riarmonizzazione finale del tema.

Di seguito una splendida interpretazione di Pollini (alla Jarret...). Qui la partitura completa del movimento per seguire.
Buon ascolto.

4083 chords, with python

2011-11-22T15:48:00.037+01:00

A chord in music is any harmonic set of two–three or more notes that is heard as if sounding simultaneously.[Wikipedia]

In previous posts i calculated there are 4083 chords and introduced to music21 python tools.
Let's use this smart framework for computer-aided musicology, with some python, to compute, view, explore and hear all the 4083 chords.
See setup instructions on music21 website.
We need to import 2 modules, music21 and itertools:

So, how many chords are there?
Below a function to compute the number of combination of n items taken t a t without repetitions (t may coincide with n):

Here we have the ever popular recursive factorial function:

A trivial iteration gives us the total (n = 12, the twelve tones!):

Itertools module is really great to handle permutations, combinations etc. The perfect ars combinatoria tool.
It is applied in the main function to make all combinations without repetitions:

Note some very nice music21 methods and attributes, like pitchedCommonName and addLyric.
As you may have noticed, i write all in a txt file to better explore chords:

We are now ready to generate all chords and display them with MuseScore:

Download commented source, txts, pdfs and MuseScore projects.

My Fav Chords
Here some of my favorite chords, nice labeled by music21:

Bugs
Unfortunately I found a few bugs. Using numbers for pitches the contiguous notes are not written in the stream.

Furthermore, method pitchedCommonName has some problems yet to appoint chords properly.

However it was a nice trip.

Le 5 formule matematiche che ogni musicista dovrebbe (almeno far finta di) conoscere

2011-11-15T23:15:00.023+01:00

Ispirato da questo articolo di Wired Science, ecco le 5 formule matematiche che ogni musicista dovrebbe (almeno far finta di) conoscere:

1. La purezza di una sinusoide. Senza questa niente oscillatori digitali e quindi niente musica elettronica.

2. Sezione aurea. Senza questa niente violini Stradivari, niente Debussy (in particolare il capolavoro La Mer), niente Genesis (avete presente Firth of Fifth?).

3. La serie di Fourier (qui in forma complessa, la mia preferita). Sarebbe più facile elencare cosa rimarrebbe (ben poco) senza questa. Un diamante concettuale, tra le massime espressioni del pensiero umano.

4. Valore efficace. Senza questa, ad esempio, niente compressori (Spark!)

5. E per finire, i Cent che spezzettano i semitoni (con la formula si ottiene il numero di centesimi corrispondente a un rapporto r tra due frequenze). Senza questa niente Autotune e nemmeno Melodyne.

Adesso il Prof ce le spiega tutte nei commenti... :-)

Musicologia computazionale

2011-10-23T22:58:00.020+02:00

Parliamo di computer-aided musicology ovvero di come usare un potente linguaggio di programmazione per la ricerca musicologica avanzata. Lo strumento, un'evoluta libreria di python, si chiama music21 ed è stato sviluppato (e reso pubblico) dalla sezione Music and Theater Arts del M.I.T.
Come sostengono i suoi geniali creatori:

Sebbene i computer abbiano trasformato il nostro modo di ascoltare, ottenere, comporre e annotare la musica, non hanno però ancora cambiato radicalmente la ricerca e l'analisi musicale. Anche se molte banche dati informatiche sono state create per la musicologia, gli strumenti per la ricerca non sono sufficientemente sofisticati. Per esempio, si possono trovare melodie se esistono corrispondenze esatte. Ma le variazioni melodiche, come la ripetizione di una frase o un abbellimento, che sono estremamente comuni, fanno facilmente fallire le ricerche. Indagini molto più complesse, come trovare tutte le melodie che implicano una particolare armonia di fondo, si riescono a malapena immaginare con i pacchetti software esistenti. La mancanza di software utili per analizzare la musica ostacola i tentativi scientifici di capire che cosa si ascolta e come processiamo ciò che ascoltiamo. Queste attività sono ancora poco comprese, nonostante la presenza pressoché universale della musica nella nostra vita quotidiana.

Music21 non è soltanto una libreria per programmare, ma contiene un database immenso di partiture, chiamato corpus, su cui iniziare immediatamente a lavorare. Tutto il software necessario è multi-piattaforma e se non si è completamente analfabeti, per far girare il tutto sul proprio pc ci vuole al massimo un'oretta. Anche se la documentazione e i tutorial di music21 possono essere affrontati partendo da zero, un minimo di python bisogna saperlo. E non solo per usare music21, in realtà: in quest'epoca il python è come il basic negli anni '80, tutti i migliori lo usano (da google ad Ableton, dalle ricerche di AI a quelle di statistica), ed è il più facile linguaggio di programmazione da imparare della storia.
Music21 contiene moltissimi algoritmi per analizzare la musica tonale, usare la teoria degli insiemi di altezze di Allen Forte (set theory) nonché potenti strumenti per la musica post-tonale e seriale.
Di seguito un paio di risultati che mi hanno colpito.

"Mode de valeurs et d'intensités" di Messiaen (1949) è stata la prima opera europea a utilizzare il cosiddetto serialismo integrale. Senza quest'opera, niente Boulez & Co. Tre serie vengono usate contemporaneamente. Ad ogni altezza di ciascuna serie viene assegnata una durata e una dinamica particolare, che appare sempre e soltanto associata a quell'altezza. All'interno di ogni serie, le durate si allungano con l'abbassarsi delle altezze.
Nel grafico precedente, prodotto direttamente da music21 attraverso un plot(), la corrispondenza tra altezze e durate è evidente. Ma anche gli aspetti della partitura non determinati dalle serie sono altrettanto evidenti: a differenza dalla regola di Schoenberg di usare ogni altezza lo stesso numero di volte, nel pezzo di Messiaen le stesse altezze appaiono più spesso di quanto dovrebbero.
Inoltre ad affascinare qui è la forma del grafico, che è cubica, cioè approssima il grafico di f(x)=-x^3. Diverse funzioni in natura (ma anche nella società umana) sono modellate da equazioni cubiche, come ad esempio la forza magnetica o la forza di torsione delle bande elastiche. I compositori post-tonali potrebbero essere stati guidati da equazioni cubiche nell'organizzare altezze e durate? Merita approfondire.
Infine, in questo ultimo grafico è possibile visualizzare i cambiamenti di tempo nell'esecuzione del primo movimento dell'Eroica di Beethoven, attraverso l'analisi di numerose registrazioni dal 1920 ad oggi.
Lunga vita alla computer-aided musicology.

I musicisti digitali sognano sinfonie algoritmiche?

2011-10-18T16:50:00.011+02:00

Nell'epoca dei primi personal computer a 8 bit (Apple II, Commodore 64, ZX Spectrum e MSX) nacque una nuova forma d'arte, viva e vegeta anche ai giorni nostri, ad opera dei primi smanettoni alienati alla macchina: la demoscene. Il principio filosofico/codice d'onore che guidava questi pionieri del computer era semplice: ottenere il massimo in termini di risultati estetici con il minimo in termini di risorse hardware e software. I migliori sono riusciti a realizzare con pochissime righe di codice animazioni, mini-giochi, performance sonore e video musicali davvero stupefacenti.
Con un articolo seminale su countercomplex, Viznut ha rivitalizzato la scena, aprendo nel contempo la strada a un nuovo tipo di ricerca musicale: trovare brevi algoritmi (una riga) che per qualche motivo abbiano un senso musicale se indirizzati direttamente verso un hardware audio. Sul perché questi algoritmi tendano ad avere qualche tipo di senso musicale non c'è accordo tra i vari demo-addicted, anche se il fenomeno ricorda quella tendenza all'ordine che si rinviene nel caos ricorsivo (chi pensa ai frattali?). In fondo, come diceva Escher, "adoriamo il caos perché amiamo produrre l'ordine".
Rispetto a 40 anni fa oggi siamo nell'era del web, e anche i non programmatori super smanettoni alienati alle macchine possono contribuire alla ricerca online, grazie a una utility in javascript.

Articoli simili su Random Bitz:

- Codice per suonare.

Sapere Multinazionale

2011-09-20T12:45:00.015+02:00

Rientriamo in medias res: la diffusione globale della conoscenza attraverso il web potrebbe essere la rivoluzione più importante degli ultimi anni. Il problema sono i filtri e l'attendibilità delle informazioni.
Microsoft Research mette a disposizione di tutti le pubblicazioni scientifiche dei suoi ricercatori.
Alcuni articoli interessanti nel campo musica/audio/arte:
1. FerroSynth: un'interfaccia musicale basata su sensori ferromagnetici, in grado sia di sintetizzare direttamente suoni che di generare note midi per i sequencer (tipo Ableton Live, usato nell'articolo).
2. Turning the tables: descrizione di VPlay, una superficie interattiva multi-touch che consente agli utenti di mixare e manipolare più flussi video in tempo reale.
3. MySong: il celeberrimo programmino che genera automaticamente e in tempo reale gli accordi di accompagnamento su una qualsiasi melodia cantata in un microfono dall'utente.
4. PAPA: un approccio che parte dalla risposta fisiologica dell'utente alla musica per generare playlist.
5. Audio Analogies: un metodo per creare nuova musica con la sintesi concatenativa.
Felix qui potuit rerum cognoscere causas.

Partitura

2011-05-10T14:03:00.010+02:00

Partitura è un software di Abstract Birds per generare grafica in tempo reale e visualizzare la musica come un evolversi di oggetti astratti. I risultati sono estremamente complessi e raffinati, pur mantenendo una leggibilità inaspettata, nel riferirsi ai vari elementi della traccia audio.

Partitura 001 from Abstract Birds on Vimeo.

L'aspetto più interessante è che Partitura definisce un suo linguaggio visual molto coerente con cui sviluppa le associazioni tra le astrazioni grafiche e il segnale audio.
Un'evoluzione dell'Acusmographe, il software di ascolto e rappresentazione del segnale sonoro dell'Ina-Grm.

Di più su Partitura.

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Luce per le mie orecchie

Bestiario di Tecnologia Audio 5

2011-04-22T15:46:00.014+02:00

L'IBM 704 canta Daisy Bell - 1961

50 anni fa il computer, precisamente un mastodontico IBM 704, cantava per la prima volta. 40.000 istruzioni al secondo erano sufficienti per intonare, con tanto di accompagnamento, una popolare canzone del 1892 di Harry Dacre, nota come Daisy Bell o anche Bicycle Built for Two.
Le menti dietro l'impresa, che possiamo definire fondante della musica techno, erano i migliori ricercatori dei Bell Labs: John Larry Kelly (il leggendario inventore del criterio di Kelly) e Carol Lockbaum programmarono il vocoder mentre Max Mathews programmò il synth d'accompagnamento. Mathews, classe 1926 e inventore di Music V e di csound (tanto per dire...), se ne è andato ieri. Come ha detto un amico, uno di quelli che ha tirato su l'asticella per tutti. RIP.

Anche Arthur C. Clarke assistette a una dimostrazione del computer cantante ai Bell Labs (pare nel '62) e per questo motivo, nella versione originale di 2001 Odissea nello spazio, quel briccone di HAL 9000 canta proprio Daisy Bell quando Dave gli stacca le schede per disattivarlo.

Puntate precedenti del Bestiario:

1. Statua di Memnone a Tebe - 1500 aC
2. L'ascoltapiazza di Athanasius Kircher - 1650
3. L'Organo Umorale Hammerstein - 1982
4. Marianne di Henry-Louis Jaquet-Droz - 1773

150

2011-03-15T16:59:00.013+01:00

"O patria mia, vedo le mura e gli archi
E le colonne e i simulacri e l’erme
Torri degli avi nostri,
Ma la gloria non vedo,
Non vedo il lauro e il ferro ond’eran carchi
I nostri padri antichi. Or fatta inerme,
Nuda la fronte e nudo il petto mostri.
Oimè quante ferite,
Che lividor, che sangue! oh qual ti veggio,
Formosissima donna! Io chiedo al cielo
E al mondo: dite dite;
Chi la ridusse a tale? E questo è peggio,
Che di catene ha carche ambe le braccia;
Sì che sparte le chiome e senza velo
Siede in terra negletta e sconsolata,
Nascondendo la faccia
Tra le ginocchia, e piange.
Piangi, che ben hai donde, Italia mia,
Le genti a vincer nata
E nella fausta sorte e nella ria."

Da All'Italia di Giacomo Leopardi (Canti)

"Finchè i giovani compositori si ostineranno a lavorare sul vecchio, finchè l’ispirazione non iscenderà sovra essi da un altro cielo inesplorato finora, la musica si rimarrà diseredata della potenza che crea, le scuole contenderanno senza fine e senza vittoria, gli artisti si trascineranno erranti, incerti per diversi sistemi, fra diverse tendenze, senza intento e proposito deliberato, senza speranza di meglio, imitatori sempre, e incoronati del serto che gli uomini danno agli imitatori, vivido di bei colori, ma caduco e appassito in un giorno. Avremo perfezionamenti di metodo, ornamenti e raffinatezze di esecuzione, non incremento di facoltà creatrice. Avremo mutamenti di stile, non nuove idee; lampi di musica, non una musica; ammiratori entusiasti per moda, appassionati se vuolsi, non credenti; non fede."

Da Filosofia della musica di Giuseppe Mazzini

Il Gallo e la Chitarra

2011-03-12T13:59:00.012+01:00

"L'arte è la scienza fatta carne". Così si apre Il Gallo e l'Arlecchino (1918) di Jean Cocteau, manifesto del circolo musicale di Montparnasse (più conosciuto come Gruppo dei Sei) e del Neoclassicismo musicale francese di inizio Novecento. Erik Satie viene elevato a ispiratore e caposcuola poiché egli "insegna al nostro tempo la più grande audacia: essere semplici". Contro Wagner e gli infiniti wagnerismi, gli espressionismi e gli impressionismi, dunque anche contro Debussy. Ma cosa si intende qui per semplicità? "La semplicità, cui si perviene come reazione alla raffinatezza, proviene dalla stessa raffinatezza; essa diffonde e condensa la ricchezza acquisita." E per i neoclassici francesi 'la ricchezza acquisita' comprende senz'altro Bach e Beethoven, Mozart e Pergolesi, ma anche il jazz, il circo e il Music-Hall (il café-chantant, il varietà, il vaudeville).
Un bel gruppo di intellettuali e artisti come non se ne vedevano dal Rinascimento: oltre a Cocteau e Satie, Diaghilev, Stravinskij, Max Jacob, Amedeo Modigliani, Pablo Picasso (in apertura di post una sua bozza per la scena di Parade, balletto musicato proprio da Satie), e molti altri.
Ma il più neoclassico di tutti fu Francis Poulenc. Un neoclassicismo contaminato da un puro sentimento religioso. "La musica di Poulenc è distante" scrive sempre Cocteau (Appendice 1924). Ed è una distanza spaziale, più che temporale.
Di seguito una mia interpretazione della Sarabande di Poulenc, l'unica pagina (purtroppo) che ha scritto per chitarra sola, dedicandolo alla leggendaria Ida Presti.

Semplicità e cantabilità, calma e leggerezza, mai banalità: l'invenzione melodica è polimetrica, il contrappunto a due voci è quasi solenne nella sua austera dimensione 'scolastica', la scarna armonia, diatonica e triadica, fa ampio uso di accordi di settima maggiore e minore e di rivolti tipici dei voicing jazzistici. Le difficoltà dell'interpretazione risiedono nella pulizia, nelle dinamiche, nell'agogica e soprattutto nello smorzamento esatto delle vibrazioni delle corde.
Come ha scritto il grande Angelo Gilardino "ne scaturisce un sentimento di pura, innocente estasi, confermato dal francescano commiato: le corde a vuoto della chitarra, toccate lentamente a una a una, come dalla mano di un bimbo."

Musicofobia?

2011-02-24T12:04:00.002+01:00

Oliver Sacks. Musicofilia
Adelphi - 496 pagg - 26 euro
EAN 9788845924194

Stando al bellissimo saggio di Oliver Sacks, che consiglio vivamente a tutti, che siano malati di mente oppure no, non esisterebbe una sindrome catalogabile come musicofobia. Dovremmo dedurne che alcuni psic privi di scrupoli (pleonasma) intendono portare $$$ al loro mulino se esistono siti come questo?
Certo che sì!
Nella mia esperienza non ho mai conosciuto qualcuno che odiasse la musica. Nemmeno nei vari Centri Psichiatrici di Zona (AKA Centri di Igiene Mentale) che ho frequentato in passato, (cioè prima di rendermi conto che i malati erano tutti gli altri, psic inclusi, e non io).
La musica, anzi, l'espressione sonora tutta, è senza alcun dubbio la prima e fondamentale espressione del sè, un anno prima di imparare a parlare, tre anni prima di cominciare disegnare e sei anni prima di imparare a scrivere.
Non ho prove, naturalmente, ma sono convinto che la musica sia stata la primissima forma artistica sviluppata dalla nostra specie. La prima espressione spontanea, piacevole ed universale dei nostri antenati prima ancora che inventassero un idioma decente, rovinato poi dalla fantastica idea di Nostro Signore Iddio di confonderci tutti per impedire la costruzione della Torre di Babele, intrapresa abusivamente senza pagare gli oneri di urbanizzazione nè preoccuparsi di edificare opere a scomputo.
Ovviamente se la musica è la prima, la danza è la seconda: basta avere prolificato per saperlo. Da piccolissimi strillano, lallano, cantano e poi appena riescono a stare in piedi cominciano a ballare.

La mia bimba Elena a 5 mesi
mentre ascolta i Led Zeppelin

D'altronde non conosco neppure qualcuno che sia indifferente alla musica: persino mia suocera semianalfabeta, 81 anni, sciroccata, sbroccata si compra in edicola i suoi DVD di lirica, se li guarda e se li riguarda... (l'opera, non il DVD NdR)
Di sicuro ascoltare Mozart non ti alza il QI, ma una esposizione quotidiana alla buona musica come quella che vive mia figlia, dagli AC/DC a Zelenka, può solo avere effetti collaterali positivi.

Reich & Deleuze

2011-02-10T12:00:00.007+01:00

"Eccoci dunque costretti a pensare la differenza. Sentiamo qualcosa che è contrario alle leggi della natura, pensiamo qualcosa contrario ai principi del pensiero. E anche se la produzione della differenza è per definizione "inesplicabile", come evitare di implicare l'inesplicabile nel pensiero stesso? Come potrebbe l'impensabile non trovarsi al fondo del pensiero? E il delirio, nel cuore del buon senso? Come ci si potrebbe contentare di relegare l'improbabile all'inizio di una evoluzione parziale, senza concepirlo anche come la più alta potenza del passato, come l'immemoriale nella memoria?"

Gilles Deleuze, Differenza e ripetizione, Raffaello Cortina Editore 1997, p. 294

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Bestiario di Tecnologia Audio 4

2011-02-04T15:48:00.023+01:00

Marianne di Henry-Louis Jaquet-Droz - 1773

Henry-Louis, figlio del grande orologiaio svizzero Pierre Jaquet-Droz, costruì il più incredibile dei cosiddetti androidi di Neuchâtel.
La Suonatrice esegue (sul serio) 5 melodie in stile galante su un organetto a canne, seguendo con gli occhi le dita sulla tastiera. Al termine dell'esecuzione china pudicamente il capo per ringraziare degli applausi.
Il realismo un po' inquietante dell'automa è garantito dal sistema di respirazione: un insieme di mantici fa sollevare e abbassare il petto a ritmo costante. Il meccanismo vitale, che comprende anche movimenti del capo e inchini, funziona indipendentemente dalle prestazioni musicali.
Fu battezzata Marianne dal nome della defunta moglie di Jacquet-Droz padre, morta in giovane età, poco dopo aver dato alla luce una bimba che sopravvisse solo pochi mesi.
Con una sola carica Marianne può vivere per un'ora e mezza, però senza suonare.

Puntate precedenti del Bestiario:

1. Statua di Memnone a Tebe - 1500 aC
2. L'ascoltapiazza di Athanasius Kircher - 1650
3. L'Organo Umorale Hammerstein - 1982

A chi importa se ascolti?

2011-01-29T22:34:00.004+01:00

"Certamente, se la musica sperimentale non viene supportata, il repertorio fischiettato dall'uomo in strada non ne verrà colpito, il consumatore abituale dell'attività concertistica prodotta dall'industria culturale ne sarà poco disturbato.

Ma la musica stessa smetterà di evolversi, e, in tal senso importante, smetterà di vivere."

Milton Babbitt, 10 maggio 1916 – 29 gennaio 2011
tratto da "Who Cares if You Listen?", High Fidelity (Feb. 1958)

Adriano e le Storie Tese

2011-01-23T20:46:00.025+01:00

La prima rock star della storia fu Adriano Banchieri, nato il 3 settembre 1568, 400 anni prima del White Album.
Come molti colleghi della storia del rock, si cambiò nome, da Tommaso a Adriano, fu conosciuto con svariati fantasiosi soprannomi, tipo Attabalibba dal Perù e il Dissonante, e fece numerosi proseliti, fondando l'Accademia de' Floridi nel 1615.
Nella sua produzione profana, madrigali dialogici componenti commedie madrigalistiche, il senso di divertimento, il sarcasmo, la parodia spiazzante, sprezzante e intelligente fanno tutt'uno con delle incredibili prodezze tecniche da sommo virtuoso delle note, proprio come Zappa.
Spettacolari sin dai titoli alcuni numeri: Il Zabaione Musicale, inventione boschereccia (1603), contenente il madrigale Gioco della passerina, La barca di Venezia per Padova (1605), i Trattenimenti in villa (1630).
Ne La Pazzia Senile (1598) il dottor Gratiano canta in polifonia una memorabile parodia di uno dei più celebri madrigali del serissimo Palestrina. L'aulico "Vestiva i colli e le campagne intorno (/ La primavera di novelli amori)" diventa il geniale "Rostiva i polli e le castagne al forno".
Ma il capolavoro dell'umorismo di Attabalibba è contenuto nell'attualissimo Il festino della sera del Giovedì Grasso (1608). Trattasi del magistrale Contrappunto bestiale alla mente, che parodizza l'antica consuetudine di improvvisare (alla mente) contrappunti sopra un canto fermo del basso. "Un cane, un cucco, un gatto, un chiù per spasso / Fan contrappunto a mente sopra un basso". Avanguardia.
In definitiva un bel calcio nel culo al petrarchismo aulico e cortigiano del madrigale che dominava incontrastato il Cinquecento.
Come non pensare alle parodie quasi alla mente degli Elii, in particolare ai capolavori Bunga Bunga e Orgia.
Il Dissonante fu tra i primi (se non il primo) a introdurre importantissime e feconde novità nella tecnica musicale: la stanghetta di battuta, la numerazione del basso continuo e i segni dinamici (piano e forte). Infine fu anche scrittore: sua la novella Cacasenno, continuazione del Bertoldo e del Bertoldino di Croce.

Mansion

2011-01-18T23:26:00.006+01:00

Mansion è un'opera d'arte a forma di Universo creata da Tabor Robak.
Ambiente virtuale, sperimentazione sinestesica, esperienza psichedelica, video sintesi e sound design ad altissimi livelli. Da gustare al buio e in cuffia su una macchina potente. Bon voyage.

John Legend Remix

2011-01-13T12:17:00.001+01:00

Zibaldone 10

2011-01-09T20:52:00.027+01:00

Qualche detrito random per dare il benvenuto al 2011.

1. Le consuete immagine più belle dello spazio. In apertura del post la Montagna Mistica di Hubble.

2. Un calendario per il 2011 che vi insegna a usare il cervello come una calcolatrice scientifica.

3. Il disco dei Jazz Accident è a mio insindacabile giudizio il migliore dell'anno. Potrei sembrare di parte, invece è bello e basta. Compratelo obbligatoriamente (c'è anche su itunes). Non si può morire senza aver sentito Meriggio Bill almeno 1000 volte.

4. L'Antikythera, il computer più antico della storia (primo secolo a.c.) progettato per prevedere le eclissi solari, è stato ricostruito coi lego da un ingegnere della Apple. Che invidia: non c'aveva veramente un cazzo da fare. Caruccio comunque.

5. Le 10 animazioni meccaniche più interessanti di Wikipedia.

6. Il Commodore 64 è rinato! Ed è molto molto figo.

7. I videogiochi rappresentano il futuro dell'umanità e delle intelligenze artificiali che erediteranno la terra dopo la nostra estinzione. Il meglio dell'anno appena finito, e un bell'articolo sul Kinect direttamente dagli ingegneri Microsoft.

8. Il futuro degli algoritmi è in mano alle formiche.

9. Il futuro della musica elettronica e il sound design sociale.

10. Un seminario del mitico Segovia sulla leggendaria Chaconne BWV 1004 di Bach (dal miglior forum di chitarra classica del globo, chi non si iscrive è pazzo).

Per concludere, i 5 post più letti di Random Bitz:

1. Musurgia Mirifica, composizione assistita nel 1600

2. Musica da sballo

3. Qualcosa di concreto

4. Introduzione alla musicomia

5. Bestiario di Tecnologia Audio 3

Buon anno!

Introduzione alla musicomia

2010-12-18T20:45:00.027+01:00

Il nuovo strumento di ricerca creato da Google, il Books Ngram Viewer, permette di cercare oltre 500 miliardi di parole in 5.2 milioni di libri pubblicati tra il 1800 e il 2008.
Un database di dati di questa portata consente di analizzare le influenze culturali a livello statistico, metodo prima d'ora mai sperimentato. Questa nuova disciplina per lo studio della cultura umana è già stata ribattezzata Culturomics.
Nel nostro specifico, fondo con questo post la musicomics, o musicomia, disciplina ausiliaria in grado di fornire rilevanza statistica alla musicologia sistematica, attraverso l'analisi delle influenze che hanno avuto negli ultimi 2 secoli le varie classificazioni, definizioni e tassonomie in uso presso la critica e gli studiosi.
Anche con i semplici nomi di musicisti comunque si ottengono risultati interessanti. Nell'immagine in apertura si vede come la popolarità di Beethoven sia incontrastata fino agli anni '80, quando evidentemente il celeberrimo (quanto fantasioso) film di Milos Forman, uscito nel 1984, ha permesso il sorpasso di Amadeus. Ultimamente i due maestri se la giocano.

Nel grafico precedente si sono raffrontate alcune macro-etichette di uso comune: la musica elettronica è la regina incontrastata a partire dalla metà degli anni '50, proprio quando vengono fondati gli studi di Colonia, Parigi e Milano. La musica atonale predominava sulla tonale fino ai '70, la dodecafonia è nata morta e la computer music inizia ad avere un ruolo importante a partire dalla metà degli anni '80, esattamente in coincidenza con la creazione del protocollo midi e con la nascita del concetto di digital audio workstation.

Interessante anche il raffronto fra tre generi (classica, jazz e pop) dell'ultimo grafico. Negli anni '60, il decennio dei Beatles (il grande Aaron Copland diceva: "Se volete conoscere gli anni Sessanta, ascoltate la musica dei Beatles"), il pop supera il jazz.
Interessante il predominio incontrastato della musica classica nei libri: è evidente che nonostante il pop sia senza alcun dubbio il genere più diffuso nel mondo reale, la musicologia, la teoria e la critica sono ancora refrattarie a farlo entrare in modo preponderante nella storia delle idee. E questo marca un'importante distonia tra teoria e pratica che deve far riflettere anche quando si studiano i repertori più antichi.
La possibilità di cercare parole o frasi in 7 lingue diverse (naturalmente non c'è l'italiano), permette di confrontare la presenza di concetti e idee in diverse culture, inferendo similitudini o differenze nell'uso di quell'idea o di quel concetto.
Lunga vita alla culturomia e soprattutto alla musicomia!

Canzoni per un amico

2010-12-14T12:14:00.002+01:00

Quando ho conosciuto Mimmo ho pensato subito 'questo c'ha i controcazzi'. Decine di ore a parlare di musica di videoclip di arte pop. Siamo partiti dalle basi comuni, da La canzone sopravvissuta alle turbe post-adolescenziali, Hurt dei Nine Inch Nails, di come Johnny Cash l'avesse resa un classico immortale.
Il post-rock, rumore e struttura, folk apocalittico, la bellezza di cristallo e la classe oceanica dei Sigur Ros, We Had A Dream, We Had Everything...
We Rode To The End Of The World. Poi gli feci scoprire gli Archive, la loro canzone perfetta.
La musica elettronica, i deliri calcolati di Aphex Twin. La triade dell'arte dei videoclip: Chris Cunningham, Michel Gondry e Spike Jonze. Contare i minuti all'uscita del nuovo dei Daft Punk, Human after all, che 'non ne sbagliano una'. Ascoltarlo insieme tutto per la prima volta. Il sapore filosofico di Television rules the nation, quello acido di Technologic. Geniali come sempre.
Qualche tempo fa a Milano dopo svariati galloni di laphroaig ci siamo salutati davanti a un locale. 'Ci sentiamo per il prossimo dei DP'.
E' uscito in questi giorni. Colonna sonora di un film attesissimo. Un altro capolavoro, 'non ne sbagliano una' avrebbe detto Mimmo. Ma non ne abbiamo potuto parlare, perché l'altra mattina Mimmo non si è svegliato.

Specchio dei tempi

2010-12-12T22:50:00.007+01:00

Il videoclip musicale più creativo del 2010 è nato (ed è fruibilie esclusivamente) sul web: http://sour-mirror.jp/index.html
Si tratta del brano Mirror del gruppo giapponese Sour. Funziona con Google Chrome e Safari (l'ennesimo buon motivo per buttare via per sempre Internet Expolrer), e da il massimo se gli si permette di accedere momentaneamente ai propri account Facebook e Twitter, e alla webcam attaccata al computer. Creatività, interattività non banale, struttura, forma, meraviglia, in una parola: geniale.
Anche la musica non è male, il giro di contrabbasso è da 8, purtroppo però la stucchevole qualità timbrica della voce e l'idioma giapponese finiscono per rendere la canzone troppo simile a una sigla di cartoni animati anni '80.

Bestiario di Tecnologia Audio 3

2010-11-26T13:54:00.008+01:00

L'Organo Umorale Hammerstein - 1982

La tecnologia dell'Organo Umorale si basa sulla massiccia mappatura cerebrale operata verso la metà degli anni sessanta e sulle tecniche degli elettrodi di profondità di Penfield, Jacobson e Olds, insieme alle loro scoperte sul mesencefalo. Attraverso la trasmissione di scosse elettriche selettive a bassa frequenza si possono stimolare cellule molto specifiche del mesencefalo.
La Hammerstein, e la sua concorrente Waldteufel, hanno modificato gli interruttori dei circuiti che trasmettono le scosse in una fila di ottantotto tasti bianchi e neri.
L'Organo Umorale Hammerstein, così come l'Euphoria Waldteufel, permettono di comporre nuove configurazioni di stimoli cerebrali e quindi di produrre nella propria testa emozioni completamente nuove che altrimenti non si proverebbero mai.
Sia l'Hammerstein che la Waldteufel hanno indetto un contest per gli utenti, offrendo grossi premi per chi riesce a trovare un preset capace di indurre uno stato di nirvana.
L'impossibilità di competere con il grande successo commerciale planetario dell'OUH e dell'EW ha spinto la gloriosa Frauenzimmer Piano Company a impegnarsi nella produzione di simulacri androidi, grazie ai quali è divenuta la potente multi-nazionale odierna.

Bibliografia: L'androide Abramo Lincoln

Puntate precedenti del Bestiario:

1. Statua di Memnone a Tebe - 1500 aC
2. L'ascoltapiazza di Athanasius Kircher - 1650

Codice per suonare

2010-11-18T22:36:00.005+01:00

Nel video Andrew Sorensen suona un dialetto del Lisp chiamato Scheme implementato in Impromptu, un ambiente di sviluppo (tipo Eclipse per java) che permette di suonare, improvvisare e manipolare grafica e audio direttamente con il codice di programmazione, in tempo reale.
Il fascino di Impromptu: trasformare ciò che viene normalmente considerato un mero strumento per costruire applicativi in un'esperienza creativa, traslitterare un algoritmo in un pensiero estetico, trasfigurare un codice meccanico in un'applicazione artistica in sé e per sé.
Nel Lisp (da List Processor) tutto è una lista, anche le funzioni. Di qui la relativa semplicità sintattica del linguaggio, il più usato a livello accademico nei progetti di intelligenza artificiale. Come gli Experiments in Musical Intelligence (Emmy per gli amici) di David Cope, che alcune idee di Sorensen mi hanno ricordato.
Considerando gli sbattimenti infernali di Cope, con un ambiente come Impromptu costruire, per dire, un generatore automatico di canzoni dei Beatles è alla portata di (quasi) tutti.

Bestiario di Tecnologia Audio 2

2010-10-31T16:10:00.004+01:00

L'ascoltapiazza di Athanasius Kircher - 1650

Le monumentali e astruse opere del gesuita Kircher, in particolare Musurgia universalis (1650) e Ars magna lucis et umbrae (1671), sono piene zeppe di congegni audio curiosi e stravaganti, tanto che se ne potrebbe fare un bestiario a sé.
L'ascoltapiazza è formato da una serie di tubi cocleati inseriti nei muri o nei tetti che separano il luogo che si vuole tenere sotto controllo dalla centrale d'ascolto. Secondo Kircher l'ascoltapiazza poteva essere utilizzato con una doppia finalità: intercettare e spiare i discorsi di chi si trovava dal lato sbagliato del congegno oppure parlare nei tubi e provocare l'effetto di un (improbabile) evento sovrannaturale.
L'ascoltapiazza non fu mai messo in funzione a causa della feroce lotta di un Ministro della Giustizia dell'epoca contro i gesuiti rossi, che sfociò in un blindatissimo decreto anti-intercettazioni.

Puntata precedente:

1. Statua di Memnone a Tebe - 1500 aC

Ars magna magna

2010-10-27T23:06:00.023+02:00

Aggiornamento 24/11/11: un modo più veloce per calcolare il numero di tutti gli accordi possibili è quello di considerare 12 elementi, le 12 altezze, con 2 stati (on/off), cioè 2^12 = 4096. A questa cifra vanno sottratti i 12 casi con una nota sola (cardinalità 1) e il singolo caso con tutti e 12 gli elementi in stato off (cardinalità 0): 4096-12-1=4083. [Thanks to Craig Sapp for this one!]
In questo post ho usato il metodo descritto di seguito per generare tutti gli accordi con uno script di python e music21.

La domanda del mio amico sembrava innocente: "Quanti sono gli accordi musicali?". Facile, 12 maggiori, 12 minori, i diminuiti, i semidiminuiti... aspè... accordi di 9 e 13... azz! il bicordo dei metallari! Alla fine me la cavo con un po' di concetti da specialista e un classico "Dipende". Non è vero. C'è un numero preciso.
Considerando che:
1. Le note purtroppo sono solo 12.
2. Un accordo è per definizione formato da un minimo di 2 note.
3. Grazie all'emancipazione della dissonanza non ci sono limitazioni teoriche né pratiche alla formazione di accordi a partire dalle 12 povere note.
4. Raimondo Lullo era un pazzo ma ce la metteva tutta, senza calcolatrice.
Abbiamo tutte le premesse per applicare l'arte combinatoria e trovare il risultato preciso.
Le mitiche formule dell'arte:
n! = tutte le permutazioni di n elementi in qualsiasi ordine
n^t = permutazioni di n elementi presi t a t con ripetizioni
n!/(n-t)! = disposizione di n elementi t a t in modo che abbia valore differenziale anche l'ordine
n!/t!(n-t)! = combinazione di n elementi presi t a t senza ripetizioni (t può coincidere con n)
0! = 1 (non banale)
Cerchiamo le combinazioni di 12 elementi senza ripetizioni, quindi:
bicordi possibili: 12!/2!*10! = 479001600/7257600 = 66
tricordi possibili: 12!/3!*9! = 479001600/2177280 = 220
tetracordi possibili: 12!/4!*8! = 479001600/967680 = 495
pentacordi possibili: 12!/5!*7! = 479001600/604800 = 792
esacordi possibili = 12!/6!*6! = 479001600/518400 = 924
eptacordi possibili = pentacordi possibili
ottacordi possibili = tetracordi possibili
nonacordi(!?) possibili = tricordi possibili
decacordi possibili: bicordi possibili
undecacordi possibili: 12!/11!*1! = 479001600/39916800 = 12
dodecacordi possibili: 12!/12!*0! = 1
Quanti sono gli accordi musicali? 4083.

Bestiario di Tecnologia Audio 1

2010-10-24T15:46:00.011+02:00

Statua di Memnone a Tebe - 1500 aC

Memnone, figlio di Eos (l'Aurora), combatté dalla parte dei Troiani durante la guerra di Troia e fu ucciso in singolar tenzone da Achille. Visti l'impegno e il coraggio dimostrati nel duello contro il Pelide, e il dolore provato da Eos per la morte del figlio, Zeus trasformò Memnone in una statua colossale, permettendogli di salutare la madre tutte le mattine.
Omero menziona esplicitamente il fatto che la statua emettesse lamenti e pianti, segno che al momento della stesura dell'opera il colosso produceva suoni e versi strani. I visitatori di età classica, tra cui l'imperatore Adriano, descrivevano il suono "come di corde di cetra che si spezzassero".
Il colosso, raffigurante in realtà il faraone Amenhotep III, crollò per metà a causa di un catastrofico terremoto nel 27 aC e la magia dei suoni misteriosi finì nel 199 dC, quando l'imperatore Settimio Severo decise di restaurare la statua.
Il fenomeno è stato spiegato con la presenza di cristalli nella quarzite in cui era intagliato il colosso. La notevole escursione termica tra la notte e il giorno in quella zona avrebbe causato, proprio verso l'alba, un assestamento dei cristalli, il cui suono veniva poi amplificato e riverberato dalla cavità della statua.
A prescindere dalla (probabile) casualità, è il primo esempio storico documentato di sintetizzatore audio. Con tanto di VCA e reverbero.

Seaquence

2010-10-12T22:29:00.007+02:00

Sintesi perfetta tra Electroplankton e il Monome, Seaquence permette di generare suoni attraverso una suggestiva metafora biologica: ogni timbro è un organismo, ogni nota è un organo e provoca il movimento dell'animale sonico intorno a un centro di gravità/intensità. Creando intere colonie di creature timbriche è possibile sviluppare brani molto complessi quasi sempre ipnotici. Le composizioni si possono anche salvare, fatemi sentire qualcosa. Usare con cautela, provoca dipendenza.

Seaquence Demo from Daniel Massey on Vimeo.

You Are

2010-01-15T01:27:00.009+01:00

Una nuova traccia (e una delle foto più belle di Hubble del 2009) per gli amici di Random Bitz, come augurio per un 2010 pieno di musica ascoltata, suonata, letta. E nella speranza che Frova non scriva nessun libro sull'argomento e che Allevi non stampi nessun CD, almeno per quest'anno.... ;)

You Are by jkant

Berna e la macchina del tempo

2009-11-21T16:22:00.015+01:00

Niente a che vedere con gli esperimenti del CERN. Berna è uno stupendo simulatore di studio di musica elettronica degli anni '50, ispirato in realtà al celebre Studio di Fonologia della RAI di Milano dei Maestri Berio, Maderna e Zuccheri, il prototipo di tutti i sound designer italiani. Berna è stato creato da Tobor Experiment, programmatore e ingegnere del suono nostrano, noto soprattutto come producer del recentemente defunto canale sperimentale QOOB. Il suo progetto TechStuff è "un documentario a puntate sulle tecniche, gli artisti e gli strumenti più bizzarri che hanno fatto la storia della musica elettronica". La puntata sullo Studio di Fonologia è paradigmatica.
Oltre che su QOOB, tutte le puntate di TechStuff (insieme all'ultima intervista a Stockhausen e ad altre amenità) sono disponibili anche in DVD.
Tornando a Berna, troviamo tra l'altro nove oscillatori, svariati modulatori e effetti, quattro tape deck in cui si possono caricare campioni a piacere, un mixer a otto canali... La potenza del sistema è rappresentata dalla matrice di modulazione (Matrix), in cui è possibile collegare tutto con tutto. E' sicuramente molto più difficile di Cubase, ma i risultati sonori che si possono ottenere sono strabilianti e la qualità audio è ottima. Il bello del software, realizzato con MAX/MSP, è che si possono sperimentare processi creativi 'antichi' (per la musica elettronica gli anni '50 sono 5 o 6 ere geologiche fa...) con la comodità di un'interfaccia virtuale contemporanea.

NEURONAUTA

2009-11-07T00:10:00.003+01:00

I. Transizioni

Bip. Bip-bip. Bip-bip-bip-bip...
- Mio Dio, dove sono...!?
- Stia calmo Agente, una colonia di Uxtor 300 ha appena ripristinato il suo equilibrio neuronale. Bentornato a casa.
Un sapientone in camice bianco. Ci sono. Potrebbe essere l'ultima occasione per contattare il Comandante... - Che fine hanno fatto i vecchi Assemblatori? Quanto è durato questa volta?
- Sì... Ehm... Abbiamo avuto qualche piccola difficoltà di gestione con la gloriosa Serie 200, Agente. In alcuni rarissimi casi, tra cui il suo, abbiamo, diciamo così, perso completamente il controllo per diverso tempo. Non eravamo più in grado di stabilizzare il sistema di trasporto molecolare... Ma ora, grazie alla innovativa Serie 300 possiamo controllare il processo in modo più accurato e più sicuro...
Ogni volta la stessa favola. Ma chi credono di prendere in giro, ormai? Spun e irradiazione elettromagnetica avevano quasi le stesse prestazioni... ma almeno finito un viaggio si tornava a casa... non riusciranno mai a gestire fino in fondo quei piccoli bastardi... - Esattamente quanto tempo sono stato via?
- Ehm... Circa nove mesi, Agente. Un record.
Nove mesi di Incarnazione e sono ancora vivo, un miracolo più che un record. Non riesco a vedere in tre dimensioni... forse i Marcatori non hanno ancora finito di accoppiarsi alle cellule...
- I suoi Marcatori Goldstein sono in fase di ripristino, Agente. Potrebbero verificarsi delle lacune permanenti nella memoria a breve termine... E qualche altro insignificante effetto collaterale...
Maledizione, la mia testa! Mi sembra di avere un frullatore nel cervello. - Devo parlare subito con il Comandante...!
- Non si agiti, Agente... sa bene che per completare la Transizione è necessario riabilitare il corpo reale. Le funzioni vitali si stavano riducendo pericolosamente. Ma ora non deve più preoccuparsi, la rimetteremo in piedi in men che non si dica. Presto potrà anche tornare al Fronte.
Dopo nove mesi laggiù non so se sarò in grado di sopportare altre Transizioni... - Faccia venire il Comandante Needle... E' urgente...
- Ehm... Mi dispiace doverle dare una così brutta notizia, Agente. Il Comandante Needle è caduto in missione più di un mese fa...
Troppi nemici. Povero Needle... era il migliore. Senza di lui nessuno può unire il Gruppo. Il tutto di Tutto, l'Uno pone fine ad ogni distinzione. Le vittorie del passato non hanno più alcun valore. Ci stanno annientando. - E' diventato Martire?
- Sì, Agente.
- Chi ha preso il comando delle operazioni al suo posto?
- Ancora nessuno, Agente. Il Consiglio sta aspettando di poter comunicare con tutti i Veterani. Hanno convocato anche lei.
Non capisco le decisioni del Consiglio. Anzi, non le concepisco. Quante volte avremmo potuto infliggere il colpo di grazia! E loro ci ordinavano di fermarci, proprio sul più bello, e di rinunciare al piacere di sterminare quell'immondizia una volta per tutte! Chissà adesso cosa si inventeranno... - Quanti di terza generazione?
- Ehm... Finora solo lei, Agente. Abbiamo soprattutto Veterani di quinta e sesta.
Pivelli senza midollo. Siamo rovinati. - Ho dei pezzi nuovi?
- Abbiamo dovuto sostituire soltanto la corteccia premotoria sinistra e due meningi, Agente. Sono modelli BrainEng ottimizzati, i migliori sul mercato. Adesso si rilassi e si prepari per la meditazione, sto iniettando la seconda colonia di Uxtor 300. Tra poche ore la Transizione sarà completa.
Bip-bip-bip-bip. Bip-bip. Bip.

256/243

2009-10-04T13:35:00.015+02:00

Ciclicamente mi ritrovo a interessarmi di una delle mie prime ossessioni musicologiche: il temperamento. Il fascino dell'argomento è dovuto a diversi fattori: la mediazione della regina matematica tra la fisica e la musica; il fallimento di Pitagora e della razionalità in generale con la conseguente vittoria dell'irrazionale sotto forma di una radice di 2; la bellezza (eu)fonica degli accordi tra intervalli perfetti rispetto agli accordi comuni da Bach in poi.
La vicenda di Pitagora, molto nota, può essere riassunta così: egli riuscì, partendo da osservazioni di fenomeni quali martelli percossi o corde che vibrano, a ridurre aritmeticamente i principali intervalli musicali consonanti a proporzioni tra numeri semplici, 2 a 1 per l'ottava, 3 a 2 per la quinta e 4 a 3 per la quarta. Con i primi 4 numeri naturali (che danno somma 10) era dunque possibile spiegare i 3 principali intervalli musicali (da qui il famoso triangolo pitagorico o tetrachtys). Inoltre Pitagora scoprì che per sommare o sottrarre intervalli bastavano moltiplicazioni o divisioni tra i loro rapporti, poiché la divisione musicale dell'ottava in una quarta e una quinta (o una quinta e una quarta) corrisponde al fatto matematico che 2 è uguale al prodotto di 4/3 per 3/2 (o viceversa). Ad esempio per ottenere il rapporto numerico corrispondente al tono si sale di due quinte (9/4) e si scende di un'ottava (1/2), il risultato della moltiplicazione è 9/8, che è dunque il rapporto corrispondente a un tono. Fin qui tutto bello, anzi bellissimo, tanto che Pitagora estese l'applicazione di questi rapporti numerici al moto dei pianeti (la celebre armonia del mondo) e vi trovò i presupposti per fondare una religione del numero, con tanto di adepti e precetti morali.
Purtroppo però l'intervallo più piccolo in musica non è il tono, ma il semitono. E qui casca Pitagora e tutto il suo programma di riduzione aritmetica. Infatti per dividere il tono pitagorico in due semitoni si deve estrarre la radice quadrata di 9/8, che introduce una radice di 2 al denominatore. Un numero irrazionale non ci voleva proprio, ma i problemi non finiscono qui. Perché se invece si calcola il semitono con il classico metodo delle quinte si ottiene 256/243, che è una grandezza leggermente diversa. Al contrario di quanto ci dice il buon senso, esistono quindi due semitoni diversi. La differenza tra un tono e i due diversi semitoni si chiama comma pitagorico, ed è percepibile a orecchio.
La soluzione a questo problema, che si chiama temperamento equabile ed è adottata ancora oggi, fu trovata da Aristosseno di Taranto nel IV sec. a.c. e ritrovata da Vincenzo Galilei nel 1581, ma fu adottata solo nel Settecento, grazie alla propaganda di Bach: distribuendo il comma pitagorico, si fa in modo che tutti i semitoni siano esattamente uguali e alla fine tutte le note risultino un po' stonate, ma in maniera accettabile. Il temperamento equabile è dunque un compromesso per evitare di avere il ciclo delle quinte infinito (e dunque una spirale delle quinte) o pianoforti con 21 tasti per ottava o due tastiere accordate diversamente.
Si deve ammettere però che gli accordi con intervalli perfetti sono una goduria. Di seguito una versione con intervalli pitagorici del corale Vom Himmel hoch di Bach:

E di seguito la versione con temperamento equabile:

Credo che anche un appassionato non-musicista possa notare a orecchio la strabiliante differenza, ancora più evidente se aprite i due files in un editor audio e visualizzate le forme d'onda.
Si può ipotizzare di tornare a suonare con intervalli perfetti? Probabilmente no, ma esistono tecnologie in grado di aiutarci a farlo con i normali strumenti elettronici. Ad esempio l'Hermode Tuning o HMT, permette di implementare in un sintetizzatore o in un campionatore un sistema intelligente di adattamento progressivo per ottava agli intervalli perfetti. Vi consiglio di esplorare il sito di HMT per ulteriori informazioni e per una prospettiva storica sul temperamento (la pagina Historical è davvero molto ben fatta).
Un caro amico nonché Gran Maestro di Musica mi ha fatto notare, quando gli ho segnalato l'HMT, che se la cosa prendesse piede potrebbe rappresentare una rivoluzione analoga a quella del click metronomico in cuffia al batterista live e in sala di registrazione: se infatti oggi un batterista medio possiede ormai un timing impressionante anche senza click, nel passato pure ai grandissimi capitava di staccare un pezzo a 120 bpm e finirlo a 125 bpm, o di fluttuare instabilmente tra diversi valori di metronomo nell'arco di tutto il pezzo.
Non vedo l'ora di ascoltare in radio le canzoni della Pausini con intervalli pitagorici. :)

Early Century Grooves

2009-09-21T23:57:00.014+02:00

E' disponibile su Digital Tunes il mio EP di musica elettronica/ambient/sperimentale, Early Century Grooves. Ho scelto Digital Tunes per garantire una qualità ottimale: è infatti possibile scaricare i brani in formato FLAC o WAV.
La track list è composta da:
1- Same and the similar, che potete ascoltare guardando il suo spettrogramma nel video in apertura. Eseguito per la prima volta qui, il brano è stato ispirato da Differenza e ripetizione di Gilles Deleuze.
2- Specula Noctis, un bel titolo latino che fa figo per un pezzo pieno di fantasmi. Atmosfere badalamentiane(?) e field recording per questo spiritual dei nostri tempi malati.
3- Delete, una macchina per distruggere tutte le vostre buone idee. Techno e minimale.
I brani possono essere ascoltati, commentati (e acquistati!) anche su SoundCloud. Una caratteristica molto carina di questo servizio è la possibilità di commentare una parte specifica del pezzo che si sta ascoltando. Ogni commento è benvenuto, anche gli insulti :).
Infine, un ringraziamento speciale per il prof (aka Raffaele Valente), che mi ha permesso di utilizzare alcune delle sue bellissime fotografie urbane come artwork:

Tutti esecutori!

2009-09-14T18:22:00.005+02:00

Avete sempre sognato di eseguire una sonata di Beethoven o di Rachmaninov che conoscete a memoria per averla sentita 1376 volte, ma non sapete suonare nessuno strumento? Si può fare, grazie a un'esecuzione assistita dal computer.
Come viene spiegato nel sito del programma freeware tapper, il computer si preoccuperà della partitura e di suonare le altezze nell'ordine corretto, e voi vi potrete concentrare su tutti gli altri aspetti della performance: ritmo, tempo, dinamica, espressione e interpretazione.
Esecutori in 4 mosse e 60 secondi:
1- scaricate il midi file del pezzo che volete eseguire.
2- scaricate tapper.
3- aprite tapper, click destro sulla finestra principale per aprire midi files, selezionare ingressi e uscite midi. La tastiera alfanumerica del computer viene letta automaticamente.
4- suonate il brano sulla tastiera midi o su quella del computer. Mi raccomando, con espressione e trasporto.... ;)
Funziona veramente ed è molto divertente, io ho appena eseguito con soddisfazione il largo della 1056 di Bach (che mi piace tanto). Nulla vieta ovviamente di eseguire intere sinfonie...
Come diceva l'ottimo Vladimir Ussachevsky: "siamo tutti musicisti elettronici. Durante una performance qualcuno di noi spinge un solo bottone e qualcun'altro ne spinge di più".

Luce per le mie orecchie

2009-09-11T14:54:00.009+02:00

Tra musica e cinema, una storia della sintesi ottica. Dai risuonatori di Helmoltz alle fibre ottiche aliene.

Quanto mi piacerebbe mettere le mani su di un sintetizzatore ANS:

Alla base di tutto, anche qui, le serie di Fourier. Cosa sarebbe stato il mondo senza Jean Baptiste?

Mentre eravamo via

2009-08-31T17:23:00.012+02:00

Sono successe un po' di cose degne di nota. Una selezione:

1. Ci eravamo lasciati con l'ItaliaWave Love Festival. Il concerto del 19 luglio è stato probabilmente il concerto dell'anno. I Kraftwerk, pur mancando il feticista del suono Florian Schneider, hanno confermato di essere una band fuori dal tempo e a volte dallo spazio (come quando mandano dei manichini al loro posto sul palco). E' vero che ormai molte trovate col passare degli anni sono diventate dei cliché, ma l'esemplare gusto minimalista, la concezione architettonica della musica elettronica e la consapevolezza di essere meccanismi di un apparato industriale e consumistico immanente mantengono i Kraftwerk nell'olimpo degli scultori del suono di ogni epoca. Come loro solo magister Perotinus magnus. Ed ecco l'apertura perfetta, The Man Machine:

Anche Aphex Twin s'è dato parecchio da fare, stordendo il pubblico con un'orgia parossistica di suoni accecanti e video assordanti, generati live e spesso al limite del pornografico. Vedere di seguito:

2. Si è svolta a San Paolo in Brasile la terza convention internazionale di Pure Data. Jose Luis Santorcuato ha pubblicato un video con cui ci si può fare un'idea dell'evento:

Click To Play

E' possibile scaricare un po' di materiale della convention qui. Mentre dal sito di Miller Puckette si può scaricare Smeck, un particolare multieffetti per chitarra a 6 canali presentato per l'occasione. Infine, un pò di foto qui.

3. La Harmonix, l'azienda che ha recentemente convinto i 2 Beatles superstiti a distribuire il catalogo del gruppo in formato scaricabile, sta per mettere a disposizione di chiunque gli strumenti per poter utilizzare le proprie canzoni in Rock Band, il videogioco musicale che ha rivoluzionato un mucchio di cose, tra cui la discografia. Una volta scaricati i vari software da qui (Reaper è stupendo e costa 60$), si può rendere la propria canzone compatibile con Rock Band, trasferirla sull'xBox per provarla e caricarla a disposizione della community. Se la canzone piace, non importa se per motivi eclusivamente musicali o semplicemente videoludici o un mix delle 2 cose, viene venduta nel Marketplace del Live e il compositore ha diritto a un obolo per ogni download. La storia completa e un tutorial dettagliato su come fare si trova su CDM.
Alcuni amici sono talmente bravi con Rock Band (o Guitar Hero) che se avessero impiegato lo stesso tempo e dedizione a imparare uno strumento vero adesso saprebbero suonare discretamente. Io continuo a preferire i vecchi strumenti tradizionali, ma la faccenda mi puzza parecchio, e mi sa che chi ci vede il futuro del consumo musicale (a suon di milioni di investimenti) non sbaglia di tanto.

4. Pasqualini Demarzi esiste? Si.

ItaliaWave Love Festival

2009-07-16T15:08:00.010+02:00

In occasione dell'ItaliaWave 2009 a Livorno, sabato 18 luglio ci sarà un concerto attesissimo dagli appasionati di musica elettronica: Kraftwerk e Aphex Twin nella stessa serata.
Per quelli (come me) che non potranno essere a Livorno, ho scoperto che la RAI manderà in onda sul web la diretta di tutto il festival, compreso il mega concerto di sabato. Basterà connettersi a questo link a partire dalle 19 di oggi.
Qui il programma completo e qui il blog della RAI sul festival.
Bisogna ammettere che il servizio della RAI sul web è molto ben fatto.

Larsenisti

2009-07-03T11:17:00.010+02:00

Prima lo si odia, poi si impara ad evitarlo, poi a controllarlo e infine ad amarlo. Sto parlando dell'effetto Larsen (o feedback acustico) il classico effetto che si ottiene facilmente, e spesso involontariamente, quando un microfono è troppo vicino a un altoparlante.
I larsenisti (Les Larseneurs) sono un collettivo di musicisti e compositori che lavorano esclusivamente con i larsen (!) prodotti in qualunque modo, con tanto di manifesto tecnico/ideologico. Sul canale youtube larseneur è possibile vedere e ascoltare le performance del gruppo.
Ecco i punti salienti (e obbligatori per diventare larsenisti) del loro manifesto:
1. Utilizzare esclusivamente feedback come sorgente sonora.
2. I concerti devono essere sempre completamente indipendeti da qualsiasi programma artistico ufficiale, associazione o festival.
3. Il larsenista non può essere mai pagato.
4. Tutte le performances dei larsenisti sono gratis per il pubblico.
5. Tutti gli eventi dei larsenisti appariranno sotto il nome collettivo 'Les Larseneurs', non apparirà mai il nome del singolo artista.
Per diventare larsenisti si deve fare pratica. Ecco allora che ci viene in aiuto il Larsenophone, una patch di Pure Data programmata apposta da un larsenista per comporre e suonare con i feedback.
Allora, buon feedback a tutti, e viva il larsenismo!

Larsen from Yann Chapotel on Vimeo.

Memoria di un angelo, divenire per un Cosmo

2009-06-10T11:32:00.008+02:00

"E' strano come la musica non elimini il ritornello mediocre o cattivo, o il cattivo uso del ritornello, ma al contrario lo comporti o se ne serva come di un trampolino. "Ah vous dirai-je maman...", "Elle avait une jambe de bois...", "Frère Jacques...". Ritornello d'infanzia o d'uccello, canto folkloristico, canzone goliardica, valzer viennese, campanacci, la musica si serve di tutto e trascina tutto. Non che un'aria d'infanzia, d'uccello o di folklore si riduca alla formula associativa e chiusa. Si dovrebbe mostrare piuttosto come un musicista abbia bisogno di un primo tipo di ritornello, territoriale o di concatenamento, per trasformarlo dall'interno, deterritorializzarlo e produrre infine un ritornello di secondo tipo, come meta finale della musica, il ritornello cosmico di una macchina per suoni. Da un tipo all'altro, Gisèle Brelet ha formulato bene il problema a proposito di Bartòk: in che modo, a partire dalle melodie territoriali e popolari, autonome, sufficienti, chiuse su se stesse come dei modi, costruire un nuovo cromatismo che le faccia comunicare, e creare così temi che assicurino uno sviluppo della Forma o piuttosto un divenire delle Forze? Il problema è generale poiché, in molte direzioni, i ritornelli potranno essere fecondati da un nuovo germe che ritrova i modi e li rende comunicanti, disfa il temperamento, fonde il maggiore e il minore, fa fuggire il sistema tonale, passa attraverso le sue maglie piuttosto che rompere con esso. Si può dire: viva Chabrier contro Shoenberg, come Nietzsche diceva viva Bizet, e per le stesse ragioni, nella stessa intenzione musicale e tecnica. Si va dal modale a un cromatismo allargato non temperato. Non c'è bisogno di sopprimere il tonale, lo si deve fare fuggire. Si va dai ritornelli concatenati (territoriali, popolari, amorosi, ecc.) al grande e macchinato ritornello cosmico. Ma il lavoro di creazione si fa già nei primi, è già interamente presente in essi. Nella piccola forma-ritornello o rondò s'introducono già le deformazioni che capteranno una grande forza. Scene d'infanzia, giochi di bimbi: si parte da un ritornello infantile, ma il bimbo ha già le ali, diviene celeste. Il divenire-bambino del musicista si raddoppia di un divenire-aereo del bambino, in un blocco indecomponibile. Memoria di un angelo, divenire per un Cosmo. Cristallo: il divenire-uccello di Mozart non si separa da un divenire-iniziato dell'uccello e fa blocco con esso. E' il lavoro estremamente profondo sul primo tipo dei ritornelli che creerà il secondo tipo, ossia la piccola frase del Cosmo.
In un concerto, Schumann ha bisogno di tutti i concatenamenti dell'orchestra per permettere al violoncello di vagare, come una luce che si allontana o si spegne. In Schumann tutto un sapiente lavoro melodico, armonico e ritmico, giunge a questo risultato semplice e sobrio: deterritorializzare il ritornello. Produrre un ritornello deterritorializzato, come meta finale della musica, lasciarlo andare libero nel Cosmo è più importante che costruire un nuovo sistema. Aprire il concatenamento su una forza cosmica. Dall'uno all'altro, dal concatenamento dei suoni alla Macchina che rende sonoro - dal divenire-bambino del musicista al divenire-cosmico del bambino - molti pericoli sorgono: buchi neri, le chiusure, le paralisi del dito e le allucinazioni dell'udito, la follia di Shumann, la forza cosmica divenuta cattiva, una nota che vi perseguita, un suono che vi trafigge. E tuttavia l'una era già nell'altro, la forza cosmica era nel materiale, il grande ritornello nei piccoli ritornelli, la grande manovra nella piccola manovra. Resta il fatto che non si è mai certi di essere abbastanza forti, perché non si ha alcun sistema, si hanno soltanto linee e movimenti. Schumann."
Gilles Deleuze, Félix Guattari - Millepiani - pag. 508-509

Qualcosa di concreto

2009-05-19T22:56:00.010+02:00

Il brano in apertura è il primo pezzo di musique concrète, composto dal leggendario Pierre Schaeffer nel 1948. Nel brano sono usati esclusivamente suoni prodotti da treni, registrati, manipolati e rimontati. Per l'epoca un lavoraccio, che però ha aperto l'orizzonte compositivo della seconda metà del secolo (e oltre), parimenti agli esperimenti di musica elettronica pura, cioè sintetizzata con oscillatori o multivibratori astabili a valvole (un altro sbattimento indicibile), compiuti nei medesimi anni da Karlheinz Stockhausen, che non ha bisogno di links, Herbert Eimert, il propagandista, e Werner Meyer-Eppler, il genio del gruppo.
In occasione dell'uscita della versione inglese di questo interessantissimo libro (notare gli autori), il sito Ina-GRM, già di per sé bookmark inamovibile per chiunque si interessi di musica, ha pubblicato 2 ottime animazioni flash di 2 brani molto significativi di Schaeffer della fine degli anni '50: étude aux sons animés e étude aux objets.
In ausilio all'ascolto è possibile seguire una pseudo-partitura trascritta da Denis Dufour e visualizzare le forme d'onda stereo (sarebbe stato il massimo avere anche uno spettrogramma).
I brani in questione sono significativi perché a mio avviso evidenziano le due anime della musica concreta delle origini: quella totalmente astratta, i suoni animati che costruiscono una scultura sonora inaudita rendendo insignificante e perlopiù irriconoscibile l'oggetto acustico in sé e il mezzo di produzione originario e spostando l'attenzione sulla testura globale; quella del sonorizzatore radiofonico, dove al contrario la riconoscibilità mimetica degli oggetti sonori è usata per aumentare la suggestione e la drammaticità.
Sono poi disponibili anche 3 registrazioni di Schaeffer che spiega il suo mondo nel 1960, riferendosi in particolare ad Anamorphoses. Uno, due e tre.
Due note per finire: la versione francese del libro è comunque preferibile, con i suoi 4 cd; il capolavoro teorico di Schaeffer è il Traité des Objets Musicaux, mai tradotto in nessuna lingua.

AAA Zebre Pesanti Cercasi

2009-05-06T22:55:00.005+02:00

Su segnalazione dell'esimio trinchetto mi sono letto questo articolo del numero di aprile di Sound On Sound, una rivista che è un punto di riferimento per tutti noi. (Spettacolare la serie sui segreti dei sintetizzatori).
L'articolo in questione descrive in maniera esilarante, degna dei migliori Monty Python, le gesta di un fantomatico gruppo degli anni '70 chiamato Heavy Zebra, che tra follie ed eccessi tipici dell'epoca fu autore di un singolo che pare sia riconosciuto dai maggiori musicisti e produttori di tutti i tempi come un'eterna fonte di ispirazione, una specie di secondo Tomorrow never knows. Il singolo in questione si chiamerebbe Karla, dal nome dell'ultima fiamma del leader del gruppo, che cambiava il testo della canzone ogni volta che cambiava fidanzata...
Uso il condizionale perché ormai sono quasi sicuro, dopo circa un mese, che si tratti di un clamoroso fake, o pesce d'aprile. Questo perché degli Heavy Zebra non esiste nessun altra informazione in giro, né brani 'acquistabili', ma soprattutto perché ultimamente trinchetto mi ha passato già altri fakes (tra cui questo, clamoroso) e credo si stia specializzando nel farmi sclerare dietro notizie false.... :)
Naturalmente spero di essere smentito e di poter ascoltare finalmente Karla, canzone che mi ispirerà sicuramente il prossimo successo di Crazy....
Chiedo agli amici esperti della musica di quegli anni, in particolare all'insostituibile the prof, tra l'altro anch'egli esperto di leggende metropolitane, di darmi certezze.... Grazie.

PureData.it

2009-03-25T18:03:00.003+01:00

PureData.it, la migliore risorsa in lingua italiana sull'amato Pure Data, potrebbe chiudere senza un piccolo aiuto. Basta 1€ per contribuire ai costi per il dominio. Un caffè in meno oggi...

Sound Design in un batter d'occhio, anzi di mano

2009-03-09T22:15:00.003+01:00

Handclap designer from jkant on Vimeo.

Il video qui sopra dimostra l'utilizzo di una patch di Pure Data che trasforma un battito di mani, o un qualunque segnale audio, in un valore numerico impiegato per randomizzare i parametri di un synth. Nel caso specifico si tratta di Reaktor Spark che gira nel Kore Player Free, ma naturalmente il metodo funziona con qualsiasi synth i cui parametri siano controllabili con midi cc. Molto comodo per esplorare al volo nuovi timbri ed evitare di usare sempre i soliti preset, oppure per creare la prossima installazione multimediale.
Per far comunicare le applicazioni via midi si usa il solito IAC Driver su Mac o il Midi Yoke su PC.
Peter Kirn ha bloggato il video su Create Digital Music, ma soprattutto ha compilato un bel tutorial su Kore CDM. Grazie Peter!
La patch di PD si può scaricare qui.

Musica da sballo

2009-03-02T23:07:00.025+01:00

Qualche anno fa, una bella ragazza si trovava assediata da alcuni giovani ubriachi che, incitati dal suono dell’aulòs, volevano a tutti i costi conquistare le sue grazie, al punto da essere quasi riusciti a sfondare la porta dietro cui la poveretta si rifugiava. Fortunatamente Pitagora, che passava di lì, si accorse che il musico stava suonando in modo frigio, e fu sufficiente chiedergli di modulare al modo dorico per vedere i ragazzacci riprendersi dall’ebbrezza e fuggire pentiti.
Gli influssi della musica sulla mente dell’uomo erano presi molto sul serio nell’antichità. Platone sosteneva nella Repubblica che non s’introducono mai cambiamenti nei modi della musica senza che se ne introducano nelle più importanti leggi dello Stato.
Da migliaia di anni compositori e musici ci emozionano (e condizionano) con ogni sorta di melodia, armonia, tonalità, atonalità, suoni organizzati o semplici motivetti che si conficcano fastidiosamente nel cervello, e molti teorici hanno anche provato a schematizzare i vari effetti della musica e la loro riproducibilità tecnica nelle cosiddette teorie degli affetti.
Nonostante questo, solo negli ultimi anni iniziamo ad avere qualche idea fondata scientificamente sul rapporto tra la musica, e i suoni organizzati in generale, la nostra mente e il nostro cervello. Queste idee sono riassunte nell’interessante libro Fatti di musica. La scienza di un'ossessione umana di Daniel Levitin, un ex produttore discografico che a un certo punto ha trovato la sua via nella ricerca in neuroscienze applicate alla musica.
Come forse qualcuno ricorderà, l’estate scorsa è rimbalzata su tutti i principali media nostrani una notizia che ha destato scalpore nell’opinione pubblica, in particolare nei bacchettoni e nei ragazzi ribelli: Sul web ora ci si droga con onde sonore. Un fantomatico software chiamato i-doser, scaricabile liberamente dal web, promette miracoli in cuffia: una canna di Maria per $4.25 e addirittura un orgasmo per $3.75, peraltro ripetibili ad libi(di)tum una volta acquistati i relativi preset per il programma!
Naturalmente è una clamorosa bufala. La vicenda è ricostruita in questo divertentissimo post di Camillo Miller. La notizia si è talmente diffusa, complice il tipico fancazzismo della bella stagione, da scomodare addirittura Paolo Attivissimo, il più noto smaschera-bufale italiano.
I programmi come i-doser si basano sulla generazione di particolari frequenze dette battimenti binaurali (binaural beats). L'effetto funziona solo in cuffia: generando un tono da 400 Hz sul canale sinistro e uno da 395 Hz sul canale destro, il nostro cervello percepisce la differenza di 5 Hz, che è appunto il battimento binaurale. Sfruttando questo meccanismo, il software cerca di indurre diversi stati cerebrali variando la generazione nel tempo dei battimenti.
Il tracciato di un elettroencefalogramma (EEG) contiene di norma frequenze al di sotto dei 30 Hz, classificate in 4 stati:
Delta da 0,5 a 4Hz Sonno profondo 
Theta da 4 a 8 Hz Sonnolenza e primo stadio del sonno 
Alpha da 8 a 14 Hz Rilassamento vigile 
Beta da 14 a 30 Hz Stato di allerta e di concentrazione
Probabilmente per rilassarsi (o più precisamente rincoglionirsi) i battimenti binaurali funzionano dopo sedute di 30-40 minuti, ammesso che non vi venga da vomitare prima… Comunque se proprio volete farvi del male, molto meglio Die Glückliche Hand di Schoenberg o al limite un mio pezzo elettroacustico.
Come spiega Levitin, l’EEG pur essendo molto sensibile ai tempi delle scariche neurali (un millisecondo di risoluzione), ha una risoluzione spaziale limitata e soprattutto non ci dice quale tipo di neurotrasmettitore o sostanza chimica stia rilasciando l’attività neurale. In pratica ci dice pochissimo di come avvengono le connessioni neurali nelle varie parti del nostro cervello, connessioni responsabili della percezione, dei complessi meccanismi computazionali sui dati percepiti e infine delle nostre emozioni. Infatti per studiare con precisione la funzione delle regioni cerebrali i neuroscienziati usano uno scanner per l’imaging a risonanza magnetica (fMRI), un progetto originariamente sviluppato dalla EMI grazie ai proventi dei dischi dei Beatles (!).
Dunque creare lo stato cerebrale ‘orgasmo’ con i battimenti binaurali sarebbe come voler analizzare l’armonia della Quinta di Beethoven guardando la forma d’onda di una sua registrazione.
Forse verrà un giorno in cui al parchetto sotto casa vostra un tizio losco vestito di pelle nera venderà ai ragazzini del quartiere, per pochi eurodollari, una nano SD card olofonica bioingegnerizzata da innestare direttamente nell’ippocampo dell’emisfero destro, e tutto questo andrà perduto nel tempo come lacrime nella pioggia. Ma forse no.
Intanto è possibile sperimentare gratuitamente i binaural beats utilizzando BrainWave Generator, che permette di modificare una notevole quantità di parametri e di crearsi dei preset personalizzati. Alcuni suoni generati in questo modo sono comunque molto interessanti e hanno un che di ipnotico. Il software è in definitiva un ottimo strumento da aggiungere all’arsenale del sound designer.
Ecco uno dei miei preset tagliato a 1 minuto. Aggiungere questo suono ai vostri brani vi farà vendere 10.000 copie… Contattatemi per quello da 100.000.

Musurgia Mirifica, composizione assistita nel 1600

2009-02-09T00:52:00.010+01:00

La biblioteca dell’Università di Glasgow conserva una stupenda copia colorata a mano della Musurgia Universalis di Athanasius Kircher, l’opera più famosa del musicologo gesuita pubblicata in 2 volumi a Roma nel 1650. All’epoca il libro fu stampato in ben 1500 copie e dunque fu un vero e proprio bestseller.
Il librone di Kircher, scritto principalmente in un latino complicato e tradotto una sola volta in tedesco, è pieno zeppo di materiale iconografico eccezionale, stravagante, misterioso: strumenti musicali meccanici di elevata complessità, automi ‘programmati’ per suonare brani musicali, sistemi improbabili di spionaggio per i nobili al potere, chitarre a 17 corde e molte altre amenità.
In quest’opera enciclopedica e multidisciplinare, quasi tutte le teorie e le spiegazioni di Kircher sono parecchio confuse, prolisse, ridondanti e hanno quel sapore dogmatico e misticheggiante tipico dei religiosi eruditi della sua epoca. Il termine ‘barocchismo’ potrebbe essere stato inventato per questo libro. La Musurgia Universalis sembrerebbe dunque essere uno di quei testi intriganti, esteticamente bellissimi e dall’altissimo valore storico, ma completamente folli e addirittura culturalmente perniciosi per quelli che li prendono sul serio, un po’ come i testi di Robert Fludd e di Michael Maier, o l’Harmonices Mundi del grande Keplero (che pur contiene la sua importante terza legge).
E invece per il musicotecnofilologo (?) odierno il testo è molto interessante perché nell’ottavo libro Kircher presenta e discute la sua ‘terza legge’: un algoritmo evoluto e funzionante per la composizione musicale, un algoritmo che si chiama arca musarythmica, attraverso cui anche un non-musicista può comporre contrappunti a 4 parti senza paura. L’arca musarythmica, spiegata in sole 14 pagine (un miracolo!), è un metodo per applicare automaticamente la musurgia mirifica, un sistema combinatorio per la scrittura musicale in grado di prevedere gli scontri tra le voci di un contrappunto per evitare determinate dissonanze (come ad esempio il diabolus in musica) e quindi rendere la composizione corretta da un punto di vista formale (per l’espressività il discorso si fa un po’ più complicato ed esoterico…). In questo articolo viene descritto come funziona il procedimento.
Giancarlo Bizzi nel suo bel libro Specchi invisibili dei suoni dimostra in modo convincente come proprio la musurgia mirifica di Kircher possa spiegare in parte l’arte dei canoni enigmatici di Johann Sebastian Bach. Così imbattendosi in partiture dall’enorme difficoltà combinatoria come quella qui sotto (tratta dall'Offerta Musicale), si potrà evitare di tirare in ballo le 'classiche' spiegazioni che coinvolgono menti sovraumane o invasioni aliene.

AGGIORNAMENTO: ho trovato questa bellissima animazione, che mette in relazione il Canone 1 a 2 dell’Offerta musicale con il nastro di Möbius. Da vedere e ascoltare ripetutamente...

Ritmi euclidei Parte 1

2009-01-30T14:05:00.000+01:00

Che cosa hanno in comune i ritmi africani, gli acceleratori di particelle, la teoria delle stringhe, i numeri di Markoff e un antico algoritmo per calcolare il massimo comun divisore di due numeri?
Godfried Toussaint lo spiega in un bellissimo articolo, tecnico ed erudito, che è uno splendido esempio di ricerca interdisciplinare.
La risposta breve alla domanda iniziale è: la migliore distribuzione possibile di pattern numerici. Cosa significa musicalmente?
Supponiamo di avere un ritmo composto da 13 unità di tempo o beat
1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13
In questo ritmo vogliamo che suonino 5 pulsazioni. La singola pulsazione viene rappresentata con un 1 mentre la pausa con uno 0
1 1 1 1 1 0 0 0 0 0 0 0 0
Qual è la migliore distribuzione delle pulsazioni sul beat? I passaggi per ottenerla sono
10 10 10 10 10 0 0 0 (distribuisco uno zero dopo ogni 1)
100 100 100 10 10 (distribuisco i tre 0 rimanenti)
10010 10010 100 (distribuisco le due sequenze 10 dopo ogni 100)
Il processo si interrompe quando resta una sola sequenza (in questo caso 100), oppure quando non ne resta alcuna.
Questo algoritmo, detto di Bjorklund dal nome del fisico che lo ha applicato nello studio degli acceleratori di particelle, è in realtà una versione dell'algoritmo più antico che si conosce, l'algoritmo di Euclide.
Toussaint ha scoperto che i ritmi generati in questo modo, battezzati euclidei, corrispondono a moltissimi ritmi delle tradizioni popolari di tutto il mondo (tra cui anche i famigerati ritmi aksak, i ritmi 'zoppi' della tradizione balcanica e turca studiati da Brailoiu e Bartok), e addirittura ne propone una prima spettacolare classificazione nell'articolo. Un generatore di ritmi euclidei può dunque aiutare lo studioso di etnomusicologia, oltre che essere fonte di divertimento per il musico computerizzato...
Nonostante esistano già diverse implementazioni di generatori euclidei, insieme con l'integerrimo Bob Puley ne stiamo programmando una in java, attualmente in fase alpha, con una serie di interessanti funzioni che per ora non abbiamo visto nelle altre implementazioni...
Presto saranno disponibili per il download su questo blog sia l'applicazione che i sorgenti, perciò stay tuned!

Glitchy Data

2009-01-28T17:22:00.000+01:00

Aspettando Max for Live...
L'algoritmo utilizza la tecnica del Random Walk per generare numeri casuali tra un minimo e un massimo, modificabili in tempo reale dall'utente. I numeri generati da Pure Data variano un midi controller (il 14 nella mia patch), impostato per cambiare la lunghezza dei campioni caricati in Simpler.
Per far comunicare PD e Live via midi si usa lo IAC Driver su Mac o il MidiYoke su Windows.
La patch di PD si può scaricare qui.