2.12.12

iOS apps in the studio


Talking about my previous post, iOS Musician blog wrote: "maybe you could use another MIDI Designer-like Live plugin (anybody know of such a thing?) to design a knob/slider setup similar to the synth app, and control the app without even touching your iDevice! It would be like making every iOS synth app a Live plugin! If something like this actually does come out, iPad and desktop software would really be brought together. The synth apps you use on the train ride to and from work could also be the ones you’re using to produce in your studio at home…"
The concept is just that: I can tweak my iOs synths sounds when I'm around, and if anything good comes up, I can use (and tweak further) that sounds in my studio, integrated with all the other stuff.
For example Korg iMS-20 has a nice MIDI CC implementation, therefore I use my own Akai MPK49 preset to tweak further some parameters.


If you have one, download my iMS-20 Vyzex Set for Akai MPK49. Use this for all the pot/switch/level parameters and zoom in for the patching frenzy.


I have explored different ways of integrating these beautiful apps in my workflow. 

External Instrument Device Presets
Drum Racks with iOS synths drum sounds
Multi-timbral Instrument Rack (try the 2 iPolysix synths)
Keyboard splitter Instrument Rack
These Korg apps have really good 'signature' sounds. 


Download the Ableton Live project with a bunch of External Instrument Device presets for iOs Synths. Check your audio/midi connections. The basic tutorial here.

Final thoughts:

  • iPad and desktop software are almost brought together, at least for me :-)
  • With a multiple output iPad soundcard, more audio/midi/osc routing apps capability and more background audio (Animoog and SalmpleWiz have this one) you could have the perfect integration.
  • iPolysix doesn't currently have MIDI CC implementation (apart from wheels stuff). I hope this feature will be added in the next version. UPDATE: iPolysix full MIDI CC implementation.




28.11.12

Korg iPolysix & Ableton Live



Yesterday i took the latest ios app by Korg, the iPolysix. After a day of hacking, the verdict is the usual for a Korg product: a terrific music app. Grab it now, it's 50% off at launch. When it comes to Korg I have some sort of constant assignment rule, Korg = Synth, maybe cause I got my first serious synth sound design on a wonderful Korg DSS-1, back in the nineties.
Anyway, several friends ask me how I integrate all these tiny buzzing apps into my studio workflow. Are just toys? Or you can get something useful out of them?
Besides the new iPolysix, I extensively use iMS20, Animoog and SampleWiz with the setup I'm going to describe.
Ableton Live is my work bench for a long time. I assume you know how to set up WiFi MIDI for iPad (Windows people may use Tobias Erichsen golden stuff).
Let's start dragging that External Instrument Device you never used because outboard is dead (I'm kidding... :)










Plug the iPad audio output in a stereo channel of your soundcard and setup everything as in the following picture. Yes, you can switch midi channels to browse app devices and other amenities. 


Now you can deal with your app as it were a standard Ableton Live device.
Not only midi sequencing. You can add (weird) effects:


You can freeze it:


Live will take your app sounds recording them in real-time:


Lastly you may want to flatten everything getting rid of all the MIDI stuff, so you can switch to another app (unless you have many ios devices...).


A final tip for iPolysix: use pattern view to make your own sounds 'scenes' and quick browse them.


However this app is fantastic in itself even outside the studio. So keep on operator, with your pocket calculator. :)


Nice iPolysix articles:



25.11.12

Bestiario di Tecnologia Audio 8


L'Orecchio di Dionigi - V sec. a.C.

Dionigi di Siracusa (ca. 430-367 a.C.) era noto come un tiranno brutale, tuttavia fece di Siracusa la città più potente a ovest della madrepatria. Il suo nome, o piuttosto il suo orecchio, è sopravvissuto in modo eponimo nella famosa grotta a forma di "esse", somigliante alla coclea di un enorme orecchio umano. La grotta è lunga circa 64 metri e alta più di 21, ed è sovrastata da un canale stretto, uniforme, dell'altezza di un paio di metri. Le singolari proprietà sonore della grotta sono state studiate dal fisico acustico Wallace Clement Sabine:
Quando la grotta ci viene mostrata dal basso, il suo riverbero notevole richiama la nostra attenzione. Quando ci troviamo in alto, la nostra attenzione è richiamata dalla possibilità di udire qualsiasi cosa venga detta in qualunque punto del sottosuolo. Si dice che il tiranno Dionigi [...] progettò le sue prigioni in modo tale che da alcuni punti nascosti di osservazione egli non solo poteva vedere tutto, ma anche, grazie a un progetto acustico impressionante, ascoltare ogni parola, anche quando veniva appena bisbigliata. 
(da Collected Papers on Acoustics)
Non vi sono prove che la grotta fosse realmente una prigione.
Tuttavia l'Orecchio di Dionigi costituisce il prototipo di tutte le scoperte successive nell'ambito della sorveglianza acustica da parte dello stato, attraverso secoli di curiosità architettoniche mirate a scoprire i tradimenti mediante tubi di ascolto fino ad arrivare alla realtà dei microfoni nascosti e delle derivazioni illegali nel nostro tempo.

Tratto da "Orecchie aperte" di Murray Schafer, p. 32. In Paesaggi sonori. Musica, voci, rumori: l'universo dell'ascolto


Puntate precedenti del Bestiario:

21.11.12

Wet On Mars videoclip



Wet On Mars from jkant on Vimeo.

HausElite ‎– Wet On Mars 
Label: M.O.D.A. - Music Fashion – MD 062 
Format: Vinyl, 12" - CD Single
Country: Italy 
Released: 2004 
Genre: Electronic 
Style: House

29.10.12

9 passi avanti


Ableton ha annunciato Live 9, pieno di interessanti novità. Ma la vera notizia è che l'azienda tedesca ha iniziato a produrre un controller hardware, anzi IL controller hardware, aiutata dagli ingegneri Akai: Ableton Push è un nuovo strumento musicale che permette di avere sotto controllo ogni aspetto di Live senza neanche guardare il monitor del computer.



Condensando e migliorando le caratteristiche dei predecessori nel genere (Novation Launchpad, Akai APC40 e Native Instruments Maschine) Push è costruito con i mitici pad della Akai, sensibili a pressione e aftertouch. Lo strumento combina un beat maker con un repeater quantizzato alla griglia incorporato, un avanzato step + pattern + song sequencer, clip launcher, tastiera midi non convenzionale (vedi oltre), un ribbon controller assegnabile a tutto per aumentare l'espressività di un'esecuzione o per regolare un livello del mixer, numerosi controller (rotativi e non) per la navigazione e selezione di suoni/plugin nonché per l'automazione di tutti i parametri immaginabili.
In sostanza Push è in grado di coprire tutto il lavoro, dalla progettazione del singolo suono alla struttura formale, dall'esecuzione di una linea di synth o di una progressione accordale alla stesura di un beat. E dietro gira sempre Live, a cui tornare per l'editing dettagliato e la finalizzazione.
L'utilizzo come tastiera midi per suonare in modo più tradizionale ne fa una versione avanzata di una bottoniera sinistra della fisrmonica: una volta memorizzato un pattern delle dita per l'esecuzione di una linea o di una progressione accordale, per cambiare tonalità sarà sufficiente ripetere la stessa diteggiatura a partire dalla nuova nota di partenza, similmente a quanto può avvenire anche con la mano sinistra su una chitarra. Questo consente di suonare senza doversi preoccupare delle diteggiature pianistiche imposte dalla successione tasti binchi-tasti neri. Qualsiasi scala musicale conosciuta può essere preimpostata per l'esecuzione, limitando le altezze suonabili alle sole note che interessano per la parte che si vuole eseguire, e lo strumento fornisce sempre un ritorno visuale (accensione di alcuni pad) delle posizioni della tonica.
Tutti usano Push.


Consigliata la visione dell'intera presentazione ai giornalisti (50 minuti).


 

12.7.12

25.5.12

5 books to hack the music

updated 14/12/16

1. Fundamentals of Musical Composition by Arnold Schoenberg 


By the greatest music teacher ever, a systematic approach to the principles behind musical composition in the common practice era (aka Tonal Music). This book can be used for analysis as well as for composition. On the one hand, it has the practical objective of introducing students to the process of composing in a systematic way, from the smallest to the largest forms; on the other hand, the author analyses in thorough detail and with numerous illustrations those particular sections in the works of the masters which relate to the compositional problem under discussion. "The work of art is a labyrinth". Do not get lost, be logical with forms and motivic development.

2. Treatise on Instrumentation by Hector Berlioz and Richard Strauss 


The art of writing for musical instruments of the orchestra to achieve maximum effect. Modest Mussorgsky had died with a copy of this book on his bed. The Treatise was closely studied by Gustav Mahler and Richard Strauss, who themselves were masterly orchestrators. Strauss revision deals with instruments not available to Berlioz, with many of his own examples drawn from the works of Richard Wagner. The most influential work of its kind ever written, appraising the musical qualities and potential of over 60 commonly used stringed, wind and percussion instruments. With 150 illustrative full-score musical examples from works by Berlioz, Mozart, Beethoven, Gluck, Weber, Wagner and others. Improve your next soundtrack.

3. The Structure of Atonal Music by Allen Forte



The most important book of music theory in 50 years. In these essential work, Forte applied set-theoretic principles to the analysis of unordered collections of pitch classes, called pitch-class sets (pc sets). The basic goal of Forte's theory was to define the various relationships that existed among the relevant sets of a work, so that contextual coherence could be demonstrated. A new methodology. Textbooks on post-tonal analysis now routinely teach it (to varying degrees). Open your mind, open your ears.


4. A Geometry of Music: Harmony and Counterpoint in the Extended Common Practice by Dmitri Tymoczko


An innovative, epoch-making publication in music theory. An original synthesis of new music theory that unifies quite a large number of separate subfields, dealing with the rational basis for tonality and tonal-compositional practices in music. A Geometry of Music provides an accessible introduction to Tymoczko's revolutionary geometrical approach to music theory. The book shows how to construct simple diagrams representing the relationships among familiar chords and scales. This gives readers the tools to translate between the musical and visual realms, revealing surprising degrees of structure in otherwise hard-to-understand pieces. Tymoczko proposes that Western music comprises an extended common practice stretching from the late middle ages to the present. Using analysis to make his argument clear, he discusses a host of familiar pieces by Bach, Mozart, Chopin, Debussy, Stravinsky, Shostakovich, Miles Davis, Bill Evans, and others. (A previous mention here)

5. Sound Design: The Expressive Power of Music, Voice and Sound Effects in Cinema - David Sonnenschein 


An user-friendly knowledge and stimulating exercises to help compose a story, develop characters and create emotion through skillful creation of the sound track. Psychoacoustics, music theory, voice study and analysis of well-known films expand your perception, imagination and the musical skills. Today every serious composer/musician have to understand the implications, uses and design of sound, music ane soundscapes for films, games, TV. Obi-wan's light sabre is tuned to C major, while Darth Vaders is in a minor key. You will clearly understand how our brains interpret voice, music and other types of sound and how to use that to create better sound design. After reading this book your musical mind will never be the same. Be inspired.



 

5.5.12

Bach non gioca a dadi


La caratteristica tipica e singolare di un frattale è un'identica struttura che si ripete su scale differenti, fenomeno comunemente noto come structural scaling. Esistono numerosi frattali con diversi tipi di struttura ricorsiva siffatta. Uno dei più celebri è l'insieme di Cantor, introdotto dal matematico tedesco Georg Cantor. Questo insieme, più che numerabile e con dimensione di Hausdorff maggiore di 0 ma minore di 1 (D = log(2)/log(3) circa 0.63), è definito in modo ricorsivo partendo dall'intervallo [0, 1] dei numeri reali, di cui è un sottoinsieme, e rimuovendo ad ogni passo un segmento aperto centrale da ogni intervallo.

La figura risultante viene chiamata anche pettine di Cantor (Cantor Comb). Particolare suggestivo, l'insieme che rimane dopo aver iterato questo procedimento infinite volte è chiamato polvere di Cantor e ha misura nulla.
Come noto, i frattali non sono solamente un frutto speculativo delle menti dei matematici ma ci perseguitano un po' dappertutto, dalle piante all'economia, e naturalmente c'è chi li trova anche nei capolavori musicali del passato. Harlan J. Brothers ha individuato un insieme di Cantor nella struttura formale della prima Bourrée contenuta nella Terza Suite per violoncello di Bach. La simmetria rinvenuta da Brothers è evidente se si presta attenzione ai valori ritmici dei motivi che costituiscono le frasi, come si può constatare nella seguente analisi.

La struttura al livello di 2 battute (m1, m2, m3) è analoga a quella al livello di 8 battute (s1, s2, s3): abbiamo un pattern, la sua ripetizione e infine una frase lunga il doppio del pattern. Se si considerano poi il ritornello e le 20 misure che concludono il pezzo, abbiamo altri 2 livelli di simmetria scalare. La struttura complessiva del pezzo potrebbe dunque essere schematizzata con il seguente pettine.

Certo, alla fine delle 20 misure ci sarebbe un altro ritornello, ma non tutti i pettini riescono col buco, e comunque pare che molti violoncellisti ignorino questo secondo ritornello per passare direttamente alla seconda Bourrée.
Per concludere, Brothers sostiene che "il fatto che Bach sia nato quasi tre secoli prima del concetto formale di frattale, potrebbe indicare che un'affinità intuitiva per la struttura frattale è per alcuni compositori un elemento motivazionale intrinseco al processo compositivo". Lo stesso elemento motivazionale intrinseco di un cavolo broccolo romanesco?

Sono molto legato a questo brano, essendo stato il primo pezzo post Carulli che ho studiato per chitarra classica nei primissimi anni '90, in un arrangiamento decisamente impegnativo di Abloniz. L'ho ripreso. Di seguito una mia interpretazione odierna. Li sentite i frattali?


Linkografia:
A Fractal in Bach's Cello Suite
- The Fractal Nature of Music
- Fractal Musical Rhythms

Altro su Bach:
- Musurgia Mirifica, composizione assistita nel 1600
- 256/243

Altro sulla chitarra:
- Il Gallo e la Chitarra

17.4.12

Webern non è morto

"Si pensi a quanta sobrietà occorre per esprimersi in modo così conciso. Ogni sguardo può espandersi in una poesia, ogni sospiro in un romanzo, ma esprimere un romanzo con un solo gesto, una felicità con un solo respiro: una simile concentrazione può trovarsi soltanto là dove manca in pari misura l’autocommiserazione.
Questi pezzi possono essere compresi solo da chi crede che i suoni riescano a dire cose che si possono esprimere solo con i suoni."

Dalla Prefazione di Arnold Schönberg alle Sei Bagatelle per quartetto d’archi op.9 di Anton Webern

12.4.12

Il concetto di musica jazz


Questo video è Tutto. Probabilmente il documento filmato più importante della storia della musica, come se avessimo un video di Beethoven e Haydn che suonano insieme un pezzo a 4 mani al pianoforte. Personalmente non riesco a smettere di guardarlo, almeno una volta al mese da oltre 10 anni, giusto per ricordarmi perché è bello vivere. Darei qualsiasi cosa per essere uno dei tizi in studio che si fumano una sigaretta belli tranquilli, mentre 5 geni assoluti e immortali architettano una performance che non sembra neanche di questo mondo.
Dal punto di vista della composizione, che dire, è la nascita del jazz modale. Struttura AABA di 32 battute come una qualsiasi canzonetta americana, ma con il germe rivoluzionario del modo dorico: 16 battute di re dorico, 8 di mi bemolle dorico e altre 8 di re dorico. Il colore di una sesta maggiore, la differenza tra il minore dorico e il minore naturale, che ha cambiato il mondo. Vedere Impressions di Coltrane e un altro migliaio di brani. So What sarà poi inciso nel '59 sul disco jazz più venduto dell'universo, Kind of Blue, Bill Evans al piano e il famoso So What chord, ma questa è un'altra storia.
Tornando al video, dal punto di vista della performance siamo in presenza della definizione del concetto stesso di musica jazz: 100 tonnellate di swing per tutti, una sezione ritmica da premio Nobel col basso che suona nel tempo come un fisico nucleare, il relax leggendario di tutti i musicisti, la postura mitologica di Miles, indietro nel tempo e nello spazio, la filosofia del suono perfetto di una tromba, la fraseologia di un sax che è in realtà IL manuale di improvvisazione modale.
In conclusione:
1. Se quando entra il solo di Coltrane non vi vengono i brividi, smettete di ascoltare musica immediatamente e frustatevi.
2. Se fossi Ministro del Mondo, obbligherei a far vedere questo video in tutte le scuole, dall'asilo all'università.
3. Per ragioni di copyright, spesso la Sony BMG fa cancellare questo video da youtube. Nel caso a un certo punto non sia più disponibile cercare sul tubo: "Davis Coltrane So What live 1958"

30.3.12

Bestiario di Tecnologia Audio 7



Cabine telefoniche musicali - 1888

Con un piccolo sovrapprezzo sul canone telefonico, è possibile abbonarsi a un servizio musicale on-demand per ascoltare in qualsiasi momento un concerto della propria musica preferita, attraverso l'apparecchio telefonico, anche collegato alla tromba di un fonografo (per risultati ottimali si consiglia la tromba in alluminio del Pathè N.1). Nelle varie città sono state predisposte molte cabine telefoniche di varie dimensioni e forme, per ospitare tutti i tipi di ensemble strumentali e per adattarsi acusticamente a tutti i generi musicali. La quantità dei musicisti professionisti interpreti esecutori che hanno aderito all'iniziativa è tale per cui il servizio è garantito 24/7, domeniche e festivi compresi. Inoltre molti concerti di differenti generi sono offerti contemporaneamente, permettendo di cambiare programma con un apposito pulsante, installato di fabbrica su tutti i nuovi apparecchi: con un semplice gesto del dito è possibile passare dall'ultimo successo di classifica di Eduardo Di Capua a un'esecuzione verdiana di Arturo Toscanini, dato che anche questi grandi musicisti hanno aderito con entusiasmo al progetto, posando anche per un francobollo celebrativo. Sia benedetta l'età della tecnica! 

Bibliografia: Looking Backward di Edward Bellamy

Puntate precedenti del Bestiario:

1. Statua di Memnone a Tebe - 1500 aC
2. L'ascoltapiazza di Athanasius Kircher - 1650
3. L'Organo Umorale Hammerstein - 1982
4. Marianne di Henry-Louis Jaquet-Droz - 1773
5. L'IBM 704 canta Daisy Bell - 1961
6. Primo concerto live per Alieni - 29 Agosto 2001

19.3.12

Gianluca Vergani


Sabato 24 marzo alle ore 21, presso la Chiesa di San Benedetto in Crema, si terrà un interessante concerto definito dagli organizzatori "un viaggio per contrasti nel repertorio organistico antico e contemporaneo". Tra gli autori eseguiti, Gianluca Vergani. Ho avuto la fortuna di frequentare, conoscere, condividere, collaborare con il buon Vergani, la cui musica mi ha sempre colpito e affascinato e che può essere definita come l'ala estrema dell'estremismo musicale contemporaneo. Tecniche e strutture massimamente rigorose e lucide al servizio di un'estetica allucinata, per una scrittura sempre e volutamente innovativa che scaturisce però da una ricerca profonda dentro sé stesso, piuttosto che nelle musiche degli altri.
Le mitiche classi (e i seminari) di Storia e tecnica della musica contemporanea del prof. Borio sono responsabili della nostra amicizia (e rimangono tra le cose più positive e costruttive della mia carriera scolastica). Non dimenticherò mai come il buon Vergani riusciva a districarsi nelle analisi di opere per me molto complesse di Ligeti o Boulez, rendendole quasi banali, o il senso addirittura di disgusto quando vivisezionava le composizioni di Schuman o di Wagner o di qualsiasi autore che usasse l'odiata lingua morta dell'armonia tonale e della figurazione melodica. Sempre un profondo rispetto invece per Donatoni e Lachenmann, che ho conosciuto profondamente grazie a lui.
Di seguito la rassicurante descrizione del pezzo di Vergani, dal titolo "Nell'intavolato la carne urla (2012) per organo a trasmissione meccanica, una mente e quattro mani":
 "Dopo anni di gestazione e superata la fase di maturazione, il brano (ormai marciscente) viene scritto di getto. Nell'intavolato la carne urla nasce da una suggestione nella quale l'autore si è mescolato più volte. E se ci trovassimo in un intavolato, carne e legno fusi insieme: una costrizione senza via d'uscita in estrema lucidità mentale. Nell'attesa che la carne si irrigidisca. Come reagiremmo? Quante sarebbero le angoscie che spaccherebbero l'inconscio per affiorare in superficie? Continui corto circuiti mentali dettati dall'approssimarsi del nulla. Qui, concretamente attraverso il germe infetto del suono, si manifesta la disperazione dell'uomo crocifisso."
Maggiori informazioni:
- Locandina del concerto
- Associazione culturale Musica Sempre

15.3.12

Lemur

Con il Lemur per iPad è possibile costruire controller touch per qualsiasi strumento hardware e software, attraverso un editor molto potente. Per quanto la creazione di interfacce sia l'aspetto più intrigante di questo software, in particolare quando si scopre la possibilità di modificare il comportamento 'fisico' degli oggetti coinvolti nella patch, nella user library si possono scaricare decine di bellissimi controller già pronti per l'uso per una grande varietà di strumenti. La connessione con gli strumenti può avvenire via wifi attraverso porte midi virtuali, via open sound control oppure con cavi midi utilizzando ad esempio periferiche usb/midi attaccate al Camera Connection KIT.
Le patch per Lemur da non perdere:
1 - Tutti i premium contents del produttore (Liine): Ambivalent Beats, per la costruzione di beats in tempo reale; Mu, per il controllo totale di Ableton Live; le incredibili patch di Reaktor dell'AB Lemur Bundle. 2 - Drone It Yourself di Malaventura, uno step sequencer per organizzare rumori molesti, completo di molti tipi di effetti tra l'assurdo e il metafisico. Con questo ho realizzato il seguente esperimento: 3 - Sequencomat V3, uno step sequencer più tradizionale, probabilmente il più completo mai realizzato. Leggermente più complesso da configurare rispetto alle altre patch proposte (è necessario anche installare il runtime di Max/Msp), ma ne vale la pena.

23.2.12

Il tocco del musicista

Da circa tre mesi sono entrato nel vortice della new big thing della musica elettronica: strumenti musicali multitouch per le masse. In giro ci sono ormai centinaia di tablet diversi in grado di prendere input dai polpastrelli, ma per chi è seriamente interessato a usare un tablet (principalmente) per creare musica c'è solo l'Apple iPad 2. Non vuole essere uno spot ma semplicemente la constatazione che gli sviluppatori più creativi del globo, nonché aziende del calibro di Korg e Moog, sviluppano esclusivamente per questa piattaforma.
Esistono poi migliaia di applicazioni musicali per iPad, ma il mio personale interesse è rivolto su tre tipologie di software:
1. Strumenti per costruire strumenti, a partire da blocchi semplici, per controllare tutto il controllabile, via midi, wifi, osc: sequencer, sintetizzatori, campionatori, hardware e software. Un nome su tutti: Lemur (il motivo per cui ho acquistato un iPad 2).
2. Strumenti musicali innovativi, che permettano di sfruttare le peculiarità dell'interfaccia tattile multi tocco per una nuova espressività, una nuova tecnica strumentale, una nuova trascendenza. Le imitazioni di tastiere di pianoforti o di chitarre sullo schermo di un iPad sono come le ali finte imbracate su una persona intenzionata a volare: come noto l'uomo ha imparato a volare quando ha smesso di imitare gli uccelli. Un nome su tutti: Orphion.
 
3. Strumenti musicali tradizionali, 'emulati' perfettamente sul tablet, o modificati con l'aggiunta di funzioni e caratteristiche possibili solo sulla nuova piattaforma. Grandi nomi qui: Korg, Moog, Dream Theater, per citarne alcuni.
Ricordo quando alcune di queste applicazioni, agli inizi del secolo, erano più fantascienza che realtà.
I prossimi post saranno una panoramica su ognuna delle tre categorie. Stay Tuned. Stay Touched.

13.1.12

Bestiario di Tecnologia Audio 6



Primo concerto live per Alieni - 29 Agosto 2001


Al volgere del millennio, alcuni scienziati russi fissati con gli alieni erano convinti che la musica fosse universale e percepibile da ogni tipo di intelletto, idea peraltro ancora non confutata (per assenza di intelletti strutturalmente diversi da quelli del mondo animale terrestre). L'antica arte di Orfeo poteva forse permettere di effettuare una comunicazione efficace con abitanti di mondi lontanissimi dotati di qualche intelligenza? Siccome in fondo ci credevano, organizzarono la prima radio-trasmissione musicale interstellare della storia, incanalando il segnale di un Theremin prelevato dall'uscita di un mixer SSB direttamente nella banda radar dell'Evpatoria Planetary Radar (EPR) e puntando la trasmissione verso HD 197076, una stella simile al sole nella Costellazione del Delfino. Per l'occasione Lidia Kavina, Yana Aksenova e Anton Kerchenko (grandi virtuosi dello strumento) suonarono live la seguente scaletta:
- Una canzone russa il cui titolo è intraducibile.
- Beethoven. Il Finale della Nona, ovviamente.
- Un allegro dalle Stagioni di Vivaldi. Effetto segreteria telefonica.
- Sean-Sans. Swan.
- Rakhmaninov. Vocalize.
- Gershvin. Summertime.
- "Kalinka-Malinka" – folk russo di quelli che si odiano immediatamente.
Nonostante la parziale improponibilità del repertorio, pare che il pubblico non si sia lamentato. Ancora.
Per saperne di più.

Puntate precedenti del Bestiario:

1. Statua di Memnone a Tebe - 1500 aC
2. L'ascoltapiazza di Athanasius Kircher - 1650
3. L'Organo Umorale Hammerstein - 1982
4. Marianne di Henry-Louis Jaquet-Droz - 1773
5. L'IBM 704 canta Daisy Bell - 1961

4.1.12

Zibaldone 11

Come da tradizione, qualche detrito random per dare il benvenuto al 2012.

 1. Le consuete immagine più belle dello spazio. In apertura del post le Galassie Antennae.

 2. Inventare nuovi insulti su Twitter è una pratica molto stimolante. Uno dei miei preferiti: "sei talmente brutta che tra poco ti mettono nel banner di wikipedia".

 3. In dicembre è uscito il Lemur per iOS, quindi mi sono comprato un iPad. Le 5 migliori app musicali per iPad, secondo me.

 4. Il profilo Soundcloud di quel genio di Fabio Giachino, già pianista del migliore gruppo jazz italiano, i Jazz Accident.

 5. Il preludio della 998 suonato su chitarra a 13 corde. Evviva i bassi veri.

 6. Problemi di spazio su 'disco' e la fine del mondo.

7. Baudline finalmente anche per Mac. Chi non lo scarica è pazzo.

8. Due idee fotografiche geniali, Cinemagraphs e Back to the future.

9. Il 2011 per me ha sancito il passaggio definitivo a emacs. Complicato inizialmente ma ne è valsa la pena. 

10. Music Ngram Viewer, lo step successivo della musicomia e della computer-aided musicology. Incredibile.

 Per concludere, i 5 post più letti di Random Bitz:

 1. Musurgia Mirifica, composizione assistita nel 1600

 2. 4083 chords, with python

 3. Il Gallo e la Chitarra

 4. Musica da sballo

 5. Qualcosa di concreto

 Buon anno!

3.1.12

Libri 2011 (3)

L'immagine di un dio molto umanizzato e quasi fumettoso, alle prese con la non semplice attività di creare il mondo, proviene dall'ultimo spettacolare libro di questa mini-rassegna.

Atlante storico della musica nel Medioevo
Questo atlante, a cura di Vera Minazzi e pubblicato da Jaca Book, adotta un approccio decisamente innovativo alla storia della musica medievale, differenziandosi in modo sorprendente dall'altra dozzina di libri che ho letto sull'argomento negli ultimi 15 anni. Sono infatti presenti studi di acustica degli spazi deputati alle performance musicali (come cattedrali e monasteri), saggi sul 'paesaggio sonoro' medievale, analisi dei repertori del canto liturgico e di quello profano, descrizioni organologiche di moltissimi strumenti musicali dell'epoca. Il tutto a cura dei migliori studiosi mondiali della materia (anche qualche vecchia conoscenza 'cremonese', come Baroffio e Barassi). Bellissimo e affascinante l'apparato grafico e iconografico. Gli autori saranno stati ispirati da un fuoco a forma di polipo, come santa Ildegarda di Bingen?
Sinossi. Si può capire il Medioevo senza la musica? Davvero l'arte, l'architettura, la cultura, la filosofia, la poesia e la letteratura medievali sono comprensibili amputando da esse l'universo sonoro che le ha attraversate? La musica è la grande assente, in genere, dalle ricostruzioni storiografiche del Medioevo, sebbene essa sia profondamente radicata nelle matrici dell'Occidente. L'assenza della musica dalle abituali pubblicazioni storiche e di storia dell'arte medievale è peraltro ben comprensibile se si pensa alla rarità delle fonti e alla difficoltà di ricostruire realmente il "suono" medievale. Sul versante musicologico, gli specialisti si trovano di fronte al compito non facile di integrare il fenomeno sonoro con le altre espressioni artistiche e con la vita medievale in generale. Lo scopo di questo atlante è quello di proporre tale integrazione e di fornire al lettore, anche non musicologo, una immagine articolata, piana, godibile, e tuttavia scientificamente rigorosa, della musica nel contesto della vita medievale. Per realizzarla, sono stati coinvolti in un'ottica multidisciplinare molti dei più importanti musicologi, noti internazionalmente, insieme con archeologi, studiosi dell'acustica e dell'architettura, filosofi e storici del pensiero medievale. Quarantacinque autori per comporre un atlante storico complesso ma di facile lettura, anche perché ogni capitolo può essere consultato direttamente, senza aver letto i precedenti.